Истоки танцевального искусства заложены в глубокой древности. Свидетельство тому - наскальные рисунки с изображением танцующих фигур, созданные предположительно в период неолит (8 - 5 тыс. лет до н.э.).

До сих пор не существует единого мнения о первенстве рождения танца, песни или музыки, неоспоримо одно - появление танца связано с осознанием ритма в качестве сопровождения определённой последовательности телодвижений. Эти ритмические телодвижения могли нести в себе различное содержание, что послужило впоследствии поводом к созданию множества теорий о происхождении танца (его предшественниками называли игру, магические или религиозные ритуалы, эротические инстинкты и т.п.). Любая из теорий имеет право на существование, а также не может считаться и единственно верной. Их внимательное изучение подтверждает вывод - во все времена танец имел важное значение в общественной жизни человека, в его гармоничном, эстетическом и физическом развитии.

Уже на первом этапе своего существования танец пытался в общественной форме отображать действительность, отбирать наиболее типические его черты, придавать им определённый образ. Первой музыкой для танцующих были звуки барабанов, шум звенящих браслетов и амулетов, первым гримом служила раскраска лица, имитирующая кровь, а первым опытом актёрской выразительности - подражание различным животным. Всё это довелось увидеть исследователям в начале XX столетия у индейцев Бразилии и некоторых индейских племён Северной Америки.

Кроме подражательной, танец нёс и воспитательную функцию. Американский исследователь запечатлел пример исполнения воинственного танца 33 шеренгами по 33 человека в каждой. Эта огромная масса танцующих, действуя удивительно слаженно, отображала силу и мощь войска.

Рождение искусства танца

Первые танцы древности были далеки от того, что в наши дни называют этим словом. Они имели совсем иное значение. Разнообразными движениями и жестами человек передавал свои впечатления от окружающего мира, вкладывая в них своё настроение, своё душевное состояние. Возгласы, пение, пантомимная игра были взаимосвязаны с танцем. Сам же танец всегда, во всем времена был тесно связан с жизнью и бытом людей. Поэтому каждый танец отвечает характеру, духу народа, у которого он зародился. С изменением социального строя, условий жизни менялся характер и тематика искусства, изменялся и танец. Своими корнями он глубоко уходил в народное творчество.

Пляски были очень распространены у народов древнего мира. Танцующие стремились к тому, чтобы каждое движение, жест, мимика выражали какую-нибудь мысль, действие, поступок. Выразительные танцы имели огромное значение и в быту, и в общественной жизни. Очень часто празднества начинались и сопровождались плясками.

Для человека первобытного общества танец -- это способ мышления и жизни. В танцах, изображающих животных, отрабатываются охотничьи приемы; танцем выражаются моления о плодородии, о дожде и о других насущных нуждах племени. Любовь, труд и обряд воплощаются в танцевальных движениях. Танец в этом случае настолько связан с жизнью, что на языке мексиканских индейцев тарахумара понятия "труд" и "танец" выражаются одним и тем же словом. Глубоко воспринимая ритмы природы, люди первобытного общества не могли не подражать им в своих танцах.

Первобытные танцы обычно исполняются группами. Хороводные танцы имеют конкретное значение, определенные цели: изгнать злых духов, исцелить больного, отогнать беду от племени. Самое распространенное движение здесь -- топанье, возможно, потому, что оно заставляет землю трепетать и покоряться человеку. В первобытных обществах распространены танцы на корточках; танцующие любят кружиться, дергаться и скакать. Скачки и кружения доводят танцующих до экстатического состояния, заканчивающегося иногда потерей сознания. Танцующие обычно не носят одежды, зато носят маски, сложные головные уборы и часто раскрашивают свое тело. В качестве аккомпанемента используются топанье, хлопки в ладоши, а также игра на всевозможных барабанах и дудках из природных материалов.

У первобытных племен нет регламентированной техники танца, но великолепная физическая подготовка позволяет танцующим полностью отдаваться танцу и плясать с абсолютной самоотдачей, вплоть до исступления. Танцы такого рода до сих пор можно увидеть на островах южной части Тихого Океана, в Африке и в Центральной и Южной Америке.

Важные наглядные сведения о развитии танца в Древнем Египте можно почерпнуть из иероглифических записей, деревянных рельефов, изображений, высеченных на камне, скульптуры и разных предметов из древних гробниц. В Абидосе -- месте, где, по верованиям египтян, был похоронен бог мертвых Осирис, -- в период летнего солнцеворота проводились обряды с танцами и музыкой. Группы певцов и танцовщиков жили при храмах и участвовали в поклонении богам. Одним из главных праздников был обряд, посвященный быку Апису, с тайными танцами, исполняемыми «служителями» быка.

Чувство театральности было очень сильно у людей Древнего Египта. Даже их храмовые танцовщики исполняли акробатические трюки, и на рельефах можно видеть женщину, делающую шпагат, или женщину, которую подбрасывают в воздух и затем подхватывают два партнера, а также мужчину, стоящего на одной ноге и собирающегося сделать пируэт.

Погребальные и церемониальные танцы отличались строгостью и простотой, но со временем стали возникать и другие, более декоративные виды танца. Рабов и рабынь обучали танцам для домашних развлечений. В Египет привозились танцовщики из других стран. Имелись странствующие труппы профессиональных актеров, которые разыгрывали пантомимы, исполняли акробатические номера под аккомпанемент бубнов и кастаньет. Некоторое время пользовались популярностью танцы негров-пигмеев.

В произведениях древних поэтов, писателей, художников встречаются названия танцев и их участников, описываются правила исполнения.

Так, например, древнегреческий поэт Гомер в «Илиаде» описал хоровод, а в «Одиссее» - мужской дуэт на фоне танцующих юношей. Лукиан написал целый трактат «Диалог о танце». Описания танцев мы можем встретить и у Аристотеля, Филострата, в трагедиях Эсхила, Софокла, Еврипида, в комедиях Аристофана. О характере древнегреческих танцев рассказывают и многочисленные изображения танцовщиков и танцовщиц на барельевах, в вазописи, в скульптуре. Наиболее известны барельеф «Танцующие молодые гречанки», вазовая живопись «Кордакс» и «Сикиннис», скульптуры - «Танцующая гречанка», «Танцующая Менада», знаменитые Танагрские статуэтки, «Бегущий Меркуриий».

Танцы древних греков можно разделить на священные (обрядовые, ритуальные), военные, сценические, общественно-бытовые. Примерно такие же по характеру танцы были и у других народов.

Священные пляски по преданию были перенесены в Грецию из Египта Орфеем. Он увидел их во время храмовых празднеств египтян. Но движения, жесты он подчинил своему ритму, и они стали больше соответствовать характеру и духу греков. Эти пляски исполнялись под звуки лиры, отличались строгой красотой. Праздники, а значит и танцы, часто посвящались разным богам: Дионису, богине Афродите, Афине. Они отражали определённые дни трудового календарного года.

Военные пляски в Древней Греции играли большую роль в воспитании мужества, патриотизма, чувства долга у юношества. Обычно военные, пиррические пляски исполняли двое. Существовали такие массовые пиррихии, в которых танцевали одни юноши, а иногда вместе с юношами плясали и девушки. Военные пляски воспроизводили бой, различные боевые перестроения, это были сложные хореографические композиции. В рувках у танцующих были луки, стрелы, щиты, зажженные факелы, мечи, копья, дротики. В сюжетах героических танцев, как правило, находили отражение мифы и предания о героях.

Сценические танцы древних греков были частью театральных представлений, причём каждому жанру соответствовали свои танцы. Во время танцев исполнители отбивали такт ногами, для этого они надевали особые деревянные или железные сандалии, иногда отбивали такт руками с помощью надетых на средние пальцы своеобразных кастаньет - устричных раковин.

Общественно-бытовые танцы сопровождали семейные и личные торжества, городские и общегосударственные праздники. Различались танцы домашние, городские, сельские. Они были разнообразны по тематике и композиционному рисунку, по составу исполнителей. Именно общественно-бытовые танцы оказывали большое влияние на возникновение сценического танца.

Суровые римские воины первых веков наше эры особенно любили воинственные танец в память похищения сабинянок. Его, по преданию, ввёл Ромул. Были и танцы жрецов, прославляющие богов, они напоминали скорее торжественное шествие.

Во время упадка Римской империи танцы и пантомимы превратились в безнравственные зрелища, и почтенные граждане Рима относились к ним с презрением. О танцах римлян в своих трактатах писали Цицерон и Гораций.

История Танца

Народный танец

История танца уходит своими корнями в глубину веков - первоисточником народного танца были движения и жесты, связанные с чувственными впечатлениями от окружающего мира, а ритуальные мистерии с только им присущими хореографическим языком и выразительностью были неотъемлемой частью духовной жизни древнего человека.

Искусство танца - это древнейшее проявление творчества народов, родившееся одновременно с появлением человека как естественная физиологическая потребность в ритмическом движении.

Танец появился из разнообразных движений и жестов, связанных с трудовыми процессами и эмоциональными впечатлениями человека от окружавшего мира. С веками, подвергшисьсь художественному обобщению, танец приобрел самостоятельно значение, и у каждого народа сложились свои танцевальные традиции. Возможно, история танца ровесница истории человечества. Нам остается только догадываться, какими были танцы в ранние эпохи. Natya Shastra – это ранняя рукопись, в которой описываетая танец. На ней зиждется современная интерпретация классического индийского танца Bharathanatyam. В европейской культуре одно из первых упоминаний о танце принадлежит Гомеру в его «Илиаде» - описывается chorea (греч. хоровод, пляска). Ранние греки преобразили искусство танцевания в систему, выражающую разнообразные страсти. Например, танец Фурий наводил ужас на всех, кто был его свидетелем. Греческий философ Аристотель поставил между танцем к поэзией знак равенства и утверждал, что танцоры благодаря телодвижениям в определенном ритме могут передавать манеры, страсти и действия. Выдающиеся греческие скульпторы изучали позы танцоров, имитирующих те или иные состояния.

Исторически танец служил частью религиозных ритуалов и общественных праздников. Доказательства этому обнаруживаются во многих документах доисторической эпохи. Вероятно, придворные танцы существовали столько же, сколько королевские дворы. Многообразие видов танцы включало в себя народные, социальные, бальные, религиозные и экспериментальные и другие формы. Большой ветвью этого искусства был Театральный Танец, который возник в Западном Мире. Истоки современного балета, танца, который все мы знаем, уходят во Францию шестнадцатого века - Эпохи Возрождения.

Балет.

Предпосылками появления балета были новые способ мышления и философия Просвещения: теперь человек становится центром вселенной и может управлять своим бытием при помощи искусств и наук. Иллюстрацией этому является выдержка: «Используя музыку, которая в точности имитировала пропорциональную гармонию планет, человек шестнадцатого века считал, что может притянуть к себе планетарные воздействия. Танец сам по себе был подражанием движению небес».

К концу XVI века придворный балет достигает пика своего расцвета: он полностью финансировался французской монархией, которая использовала его для превозношения собственного величия. Балеты стали частью роскошных, огромных праздничных феерий, которые продолжались несколько дней подряд и включали в себя все виды развлечений. На самом деле, все эти праздники были способом самовозвеличить Французский Двор.

Уже к началу XVIII века балет перекочевал из Французского Двора в Парижскую Оперу к разностороннему театральному деятелю Жану-Батисту Люлли, который «сохранил основной концепт балета – сложносоставность формы, в которой танец является неотъемлемым и значимым элементом». В течение этого столетия балет разошелся по Европе и из утонченного способа передвижения образов во время крупного представления превратился в самодостаточное искусство исполнения, называемое ballet d’action («действенный балет», балет с сюжетом). Эта новая форма почти полностью изжила искусственность, присущую придворному танцу, и установила новый закон: "искусство должно стремиться к выражению природы, естеству". В результате костюмы и хореография стали более свободными и способствующими большему раскрытию выразительных талантов тела. Отворилась дверь в мир натуралистических костюмов и обуви без каблуков - пуантов, которые предоставляли танцору большие возможности при подъеме на полупальцы.

Эпоха Романтизма начала XIX века с балетами, привлекающими внимание зрителя к эмоциям, с фантазией и богатыми духовными мирами явила начало настоящей работы на пуантах. И вот идеальная балерина (качества которой выразились тогда в легендарной Мари Таглиони) в своих туфлях, казалось, едва касается поверхности сцены и ее бесплотный дух словно не знает, что такое земля. Теперь уже взошедшие звезды женского танца полностью затмили присутствие бедных мужчин-танцоров, которых во множестве случаев переименовали в двигающиеся статуи, существующие только для того, чтобы балерины на них опирались. Эту ситуацию в начале двадцатого столетия немного изменило восхождение звезды Нижинского из Русского Балета. К этому времени уже развились знакомые нам балетные костюмы, хореография, декорации, бутафория, словом, все стало почти таким, как есть сейчас.

Современный танец.

Русский балет, начав революцию в балетном искусстве, пытался сломать устаревшие формы классического балета. В настоящее время художественные возможности балетной техники и аккомпанирующих ей музыки, декораций и мультимедиа более масштабны, чем за все время его существования. Границы, определяемые классическим балетом, постоянно раздвигаются и размываются, и все, что появляется вместо них, теперь лишь едва напоминает о традиционных балетных терминах типа «вращения».

Появилось новое мышление. Артисты танца теперь принимают во внимание качества личности, ритуальные и религиозные аспекты, примитив, выразительность и эмоциональность. В этой атмосфере произошел очередной виток развития современного танца. Внезапно возникла новая свобода в том, что теперь считалось приемлемым, что получило название признанного искусства, в котором отныне хотели творить многие люди. Все атрибуты нового искусства стали такими же значимыми, как костюмы балета – или даже ценнее их.

Большинство хореографов и танцоров начала XX века относились к балету весьма негативно. Исидора Дункан мыслила его безобразной бессмысленной гимнастикой. Марта Грэм (Грэхем) выделяла в нем европейщину и империализм, у которых с американцами нет ничего общего. Мерс Каннингхэм, несмотря на то, что использовал для преподавания некоторые основы балетной техники, подходил к хореографии и выступлению с позиций прямо противоположных традиционному балету.

Двадцатый век несомненно стал временем отрыва ото всего, на что опирался балет - временем беспрецедентного творческого роста танцоров и хореографов, временем шока, удивления и зрителей, которые поменяли свое представление о танце, временем революции.

Шестидесятые годы принесли развитие постмодернизма, который изменил курс на простоту, красоту маленьких вещей, нетренированных тел и безыскусственных, простых движений. Знаменитый манифест «Нет» отвергает все костюмы, сюжеты и «показуху» ради сырого, необработанного движения – это, наверное, самая яркая крайность этой волны новой мысли. К сожалению, отсутствие костюмов, сюжетов и бутафории не содействует успешности танцевального шоу – и спустя непродолжительное время «декорации», «художественное оформление» и «уровень шока» снова появились в лексиконе хореографов современного танца.

К восьмидесятым годам классический танец возвратился в исходную точку, а современный танец (contemporary dance) стал высокотехничным оружием профессионалов, близким политике. Две формы танца, contemporary dance и классический балет, мирно соседствуют, испытывая одна к другой лишь малейшую долю былой неприязни и почти не вступая в соперничество. Сегодня танцевальное искусство пронизано творческой конкуренцией и хореографы часто стремятся к тому, чтобы именно их работу назвали самой шокирующей. Однако до сих пор в искусстве есть красота, и танец современности поражает такими профессионализмом, силой и гибкостью, которых никогда не было доныне.

История современного танца уходит своими корнями в далекое прошлое. Первые танцевальные движения являлись отражением чувственных впечатлений людей, полученных от окружающего мира.

Искусство танца представляет собой древнейшее проявление самобытного творчества разных народов мира. Танец родился одновременно с появлением человека, так как являлся естественной физиологической потребностью в ритмических движениях.

В древности танец был неотъемлемой частью различных общественных праздников и религиозных мероприятий. Поэтому термин танец охватывает большое количество разнообразных движений, отличающихся по своему стилю и манере исполнения.

Получил активное развитие в начале прошлого столетия. В то время известная балерина Айседора Дункан и несколько ее единомышленников решились бросить вызов традиционной хореографии. Они открыли свои школы, в которых преподавали основы модерн-балета. Основной идеей данного танцевального направления была свободная хореография, основанная на импровизации и выражении собственных эмоций.

Большая часть современных танцев не имеет четких стандартов и норм. Все они основываются на демократичности и свободе исполнений. Практически каждый танцор вносит в танец свою индивидуальность, особенно данный факт, проявляется в так называемых уличных танцах.

Некоторые виды современной хореографии уже пережили пик своей популярности, однако по-прежнему любимы исполнителями и востребованы зрителями. А такие танцы как брейк-данс, хип-хоп, ритм-энд-блюз или тектоник, наоборот, переживают свой взлет.

Одним из любимейших танцев молодежи считается хастл. Это поистине универсальное направление появилось в конце прошлого века. Танцуют его в практически везде: на вечеринке, дискотеке, танполле либо на улице. Причем исполняться этот танец может абсолютно под любую музыку и с любым пратнером.

Чуть больше двух десятилетий назад появился такой танец как крамп. Его отличительной особенностью является мощь и сила исполнителя, направленная на освобождении танцора от негативной энергии, путем выплескивания своих эмоций со сцены.

XX век принес с собой такой способ демонстрации хореографического мастерства, как батлы. Эти импровизированные соревнования танцоров и по сей день не перестают видоизменяться и вбирать в себя новые модные тенденции.

Люди жили племенами, и следовательно, все важнейшие особенности их жизни образа занятий, воплощались в их ритуальных плясках. В ритуальных плясках фигурируют две основных темы:

Охоты или войны

Тема любви

Не рассматривая глубже все особенности ритуальных плясок, отметим их массовость и, как следствие, необходимость кругового движения. Отсюда и пошла форма хоровода, как элементарная способность участвовать в процессе танца также и при помощи пения.

Чуть позже, в более развитых формах плясок уже прослеживается деление танцев на:

пляски-игры (военно-охотничего характера) Примеры воинских плясок: украинский "Гопак", грузинский "Хоруми"

культовые пляски, где человек пытался добиться у богов более благоприятных условий для жизни. Примеры: "шаманские" танцы африканских племен или народов Севера России

бытовые пляски, наиболее распространенные и наименее зависящие от 2-х важнейших факторов выживания - пропитания и понимания окружающего мира. Примеров бытовых плясок – неисчислимое множество: практически на каждый трудовой процесс существовали свой танец, изменявшийся от селения к селению: русский танец "Ленок", украинский "А мы просо сеяли", "Лесорубы", "Косари" и т.д.

Именно в бытовой пляске проявилась возможность индивидуального проявления и привнесения собственной хореографии, которая зачастую одобрительно принималась окружающими.

Отдельное место занимает любовная линия танца – отсюда разнообразие в выборе партнера или сольное исполнение. Наиболее сохранившиеся, а значит, популярные танцы – это танцы с сюжетами. Например, "Тимоня" – танец о любовных взаимоотношениях одного мужчины и нескольких девушек – одна и популярных тем русского народа.

Этап 2: греко-римский период

Следующий этап усложнения танцевальных форм это греко-римский исторический период. Танец уже преподают в учебных заведения того времени. Древние греки закладывали в танец принцип Гармонии. Это связано было с тем, что в культуре того времени уже имелись значительные жизненные идеалы, и человек в них представлялся как значимый предмет для совершенствования души и тела. Древняя мифология (обилие сюжетов с богами) как раз и была идейным двигателем совершенствования природы человека, а танец был одним из инструментов "обработки" человеческих тела и души.

Танцы этого периода делились на несколько категорий:

Священные танцы (исполнявшиеся только в храмах)

Общественные (воинские пляски, массовые гуляния с участием граций, сатиров, нимф)

Это костюмированные и очень грамотно выстроенные драматургически важнейшие детали жизни греков

Именно эти танцевальные праздники, переносимые в мифологических сюжетах на театральные сцены Эллады - явились первоисточниками современных балетных и иных спектаклей и шоу.

Конечно же, в этот период существовали танцы и попроще: домашние, городские, сельские.

Этап 3: "мрачное средневековье"

Следующая эпоха, именуемая "мрачным средневековьем" – старалась искоренить и изгнать танец из жизни человека. Танцу присвоили культ "дьявольского наваждения", а тело (в особенности женское), стало символом любых форм осквернения. Вглядываясь в эту тяжелую (для танца) эпоху, понимаешь, почему в католической Европе народные формы танца столь примитивны и сейчас.

Видимо, до сих пор, в гонке за благопристойностью в танце нет такой сильной потребности, как например, сложилась у славянских народов. Именно разнообразные средневековые бранли с их подскоками и просто шагами, явились той отдушиной которая допускалась в те мрачные годы.

Однако и здесь веселый человеческий нрав и особенно любовь, шевелила народ в их массовых городских праздниках.

История возникновения и развития бальных танцев

Впервые бальные или светские танцы возникают в XII веке, в эпоху средневекового Ренессанса – периода расцвета рыцарской культуры. До наших дней сохранились лишь названия этих танцев.

Бальный танец возник в 14 веке в Италии в силу благоприятных условий (разнообразной общественной жизни развивающихся городов). Здесь происходит теоретическая разработка правил бального танца. Затем бальный танец распространился во Франции. В 16-17 веках Франция становится законодательницей бального танца.

Большую роль в развитии бальной хореографии того времени сыграл танец бранль, который возник во Франции. Танцы с покачиваниями и притопами назывались простыми бранлями; танцы с подскоками и прыжками - весёлыми; танцы, изображающие трудовые процессы, подражательные – бранли бочаров, башмачников, конюхов и т.д.

Знатные вельможи водили своеобразные хороводы, где требовались важная поступь, величественная осанка, умение исполнять приветствия, многочисленные поклоны и реверансы. Среди этого огромной популярностью пользовалась павана, которую исполняли с канделябрами или факелами в руках. Этим танцем открывались балы, павана часто становилась центром во время свадебной церемонии.

Уже в XIV веке знаменитый французский теоретик Туано Арбо в книге «Орхезография» описал различные виды танцев, техника которых со временем все более совершенствовалась. Бальные танцы XIV века не отличались богатым разнообразием движений и исполнялись в сопровождении небольшого оркестра: 4 кларнета, тромбон, 2-3 виолы. На смену им пришли более быстрые танцы, включающие в себя лёгкие прыжки, повороты и изящные позы. В моду постепенно вошли менуэт, ригодан, романеск.

Усложнялась танцевальная лексика и композиция, что привело к необходимости длительного обучения танцу. Танцмейстеры и педагоги XVII века выпускают самоучители по танцам. В них включают наиболее популярные в то время массовые танцы.

В 1661 году по указу Людовика XIV в Париже была открыта "Академия танца", где проверялись знания танцмейстеров, выдавались дипломы, устраивались балы и вечера, а главное, совершенствовались народные танцы.

Движения придворного менуэта не отличались особой сложностью: плавный скользящий шаг, глубокие реверансы, поклоны, хотя обучались ему годами. Трудно давалась манера исполнения менуэта, в виду того, что все переходы должны совершаться мягко, округло, без рывков, плавно вытекая один из другого. Некоторые из фигур менуэта вошли в основу классического балета, поэтому менуэт до сих изучается во всех хореографических академиях.

В России покровителем развития танцевального искусства стал Пётр Первый, издавший в этих целях в 1718 году указ об ассамблеях, которые положили начало публичным балам в России. Было даже создано специальное руководство "Юности честное зерцало, или Показание к житейскому обхождению", в котором говорилось об этикете на ассамблеях и в бытовой жизни. В содержание этого указа входили следующие положения:

"…непристойно на свадьбах в сапогах и острогах быть и тако танцевать: для того, что тем одежду дерут у женского пола, и великий звон причиняют острогами, тому ж муж не так поспешен в сапогах, нежели без сапогов»;

"… с кем танцуя, не подлежит никому неприличным образом в круг плевать, но на сторону»;

"… немалая отроку есть краса, когда он смирен, а не сам на великую честь называется, но ожидает, пока его танцевать не пригласят».

Петр ввёл преподавание бальных танцев как обязательный предмет в казённых учебных заведениях, тем самым подчеркнув государственное значение подобного начинания.

Танцмейстер, который именовался в те годы учителем " танцев, учтивости и куплимента", должен был также воспитывать своих учеников, внушать им правила европейского светского обращения, «политеса».

XIX век связывают с массовыми бальными танцами, всё больше входят в моду балы и маскарады. Широкое распространение танцев привело к организации специальных танцевальных классов, где учителя - профессионалы обучали бальному танцу не только знать, но и городское население.

В настоящее время бальные танцы имеют много общего со спортом, оказывают всесторонне развитие на физическое развитие танцоров, позволяя развить координацию, осанку, пластику движений. Современная программа обучения бальным танцам включает 10 танцев, которые подразделяются на европейскую и латиноамериканскую программу. Большинство этих танцев возникло относительно недавно. Рассмотрим историю каждого из них в отдельности.

Медленный вальс (Slow Waltz), входящий в программу европейских танцев, впервые упоминается с середины XVIII века, в более древних документах встречается его обозначение как "weller", "walzen", "walzen", что означает – кружиться, скользить. В своей классической форме вальс родился и расцвел в начале XIX века в Вене, а затем и во всем мире. Из Австрии вальс был завезён в Англию и США и впервые исполнялся в стенах влиятельного Boston Club около 1874 года. Однако только после 1922 года танец стал столь же моден, как танго.

Кроме медленного вальса также выделяют и Венский вальс (Viennas Waltz), который по праву носит название короля бальных танцев. Первое упоминание о танцах, подобных такому вальсу, относится к ХII-XIII столетию, когда в Баварии танцевали "Nachtanz". Пик популярности он пережил в начале XIX века в Вене под музыку Штрауса. Венский вальс возник в Баварии и назывался "немецким".

Танго - энергичный танец из категории танцев фламенко из Испании впервые получает общественное признание и успех в 1909 году в Париже, откуда этот танец стремительно распространился по всей Европе и пользовался огромной популярностью в период 1910-1915 годов. Несколько вышедший из моды в 30-60-е годы, в настоящее время танец снова получил широкое признание. С танго объявлен объектом . , в день рождения аргентинского певца и киноактера, знаменитого «Короля танго» , отмечается «Международный день танго».

Фокстрот был придуман летом 1914 актером водевиля Гарри Фоксом(Harry Fox), наибольшим успехом он пользовался в 20-е годы. Первоначально фокстрот был частью представления "Jardin Danse" на крыше Нью-Йоркского театра. Как часть своего выступления, Гарри Фокс делал шаги "рысью"(trotting) под музыку ragtime , и люди назвали его танец "Fox"s Trot"(потом "s" куда-то пропала, а произношение осталось). "Trot" - это изначально военный термин для описания конной походки, появившейся в штате Миссури, в переводе на русский - "рысь". Эта походка необычно гладка. Есть также версия, что название произошло из-за лисы (Fox), поскольку только она якобы имеет необычную походку среди животных, когда ноги ставятся в одну линию (след в след). Огромное количество фигур для фокстрота было придумано в 1922 году известным танцором, победителем танцевальных конкурсов Франком Фордом. Первоначальный танец имел темп приблизительно 160 ударов в минуту, и был описан как " чрезвычайно судорожный", позже, к 1927 году танец стал называться медленным фокстротом и основу его составили гладкие скользящие движении .

Квикстеп (Quickstep) - это легкий, живой, жизнерадостный танец, "напичканный" прыжками, подскоками с поворотами вправо, влево, назад с виражами вправо и влево, это действительно быстрый фокстрот. Годом рождения квикстепа считается 1923 год, когда оркестр Поля Вайтмана (Paul Whiteman) выступал в Великобритании. Современные движения квикстепа, основанные когда-то на шагах фокстрота, сильно отличаются от тех, которые танцевали в 20-е годы. Первоначально квикстеп исполнялся африканскими танцорами. Позже квикстеп дебютировал в Американском мюзик-холле и стал очень популярным в танцевальных залах.

Группа латиноамериканских танцев в настоящее время включает самбу, ча-ча-ча, румбу, пасадобль и джайв.

Самбу часто называют "южноамериканским вальсом", так как ритмы самбы очень популярны и легко видоизменяются, образовывая новые танцы - ламбаду, макарену. Бразильский карнавальный танец впервые был представлен в 1917.Окончательно сформировался в Бразилии в 1930 году, как бальный танец. В США он появился в 1939 году. В Россию самба попала из Польши, хотя в 1957 году на фестивале молодежи и студентов в Москве его уже танцевали.

Ча-Ча-Ча получило свое название и характер из-за особого повторяющегося основного ритма и специфического инструмента маракасы. Захватывающий, синкопированный латинский танец, который возник в 1950 годах как замедленное Мамбо. Этот танец сначала был замечен в танцевальных залах Америки.

Парный кубинский танец африканского происхождения – румба появился в XVI в., когда в Америку стали завозить черных рабов. Среди всех бальных танцев румба характеризуется наиболее глубоким эмоциональным содержанием. В ходе своей эволюции румба приобрела многие черты, характерные для блюза. Существует расхожий штамп, что «румба – это танец любви», однако, на самом деле румба, скорее является танцем несчастной любви и одиночества.

Пасодобль был одним из многих испанских народных танцев, связанных с различными аспектами испанской жизни. Частично пасодобль основан на бое быков. Танцоры пасодобля изображают тореро и его плащ, характер музыки соответствует процессии перед корридой. Танец впервые был исполнен во Франции в 1920 году, стал популярным в высшем парижском обществе в 1930-ых, поэтому многие шаги и фигуры имеют французские названия.

Слово "Jive" похоже на южно-африканское слово "Jev" - "говорить пренебрежительно". Джайв появился в XIX веке на юго-востоке США. Джайв родом из Америки и построен на основе танца, первоначально называемого "Jitterburg", из которого убрали акробатические элементы и поставили технику исполнения. Первое описание джайва сделанное лондонским учителем танцев В. Сильвестром (Victor Silvester) было опубликовано в Европе в 1944г.

Итак, история развития и становления бальных танцев как вида спорта уходит своими корнями в начало прошлого века, в Англию и Францию. Появление новых музыкальных стилей, растущий интерес к парным танцам, знакомство европейцев с увлекающими ритмами афро-латинских народных танцев постепенно привели к созданию канонизированной танцевальной программы. Сегодня в программу обучения спортивным бальным танцам входят 10 танцев, которые подразделяются на европейскую программу (в просторечии - "Стандарт") и на латиноамериканскую ("Латина").