Первый русский оперный композитор. Три произведения глинки, положивших начало новой эры в русской музыке. Волшебная флейта. В. А. Моцарт

Однако история оперы в нашей стране как музыкально-драматического жанра, пришедшего с Запада, началась задолго до постановки «Жизни за царя» («Иван Сусанин») М. И. Глинки - первой русской классической оперы, премьера которой состоялась 27 ноября 1836 года.

Если постараться, зачатки русской оперы можно отыскать в глубокой древности, так как музыкально-драматический элемент присущ народным русским обрядам, таким как свадебные обряды, хороводы, а также церковным действам средневековой Руси, которые можно считать предпосылками для появления русской оперы. С ещё большим основанием можно видеть зарождение русской оперы в народно-духовных действах 16-17 веков, в школьных драмах Киевской и Московской академий на библейские сюжеты. Все эти музыкально-исторические элементы найдут своё отражение в работах будущих русских оперных композиторов.

17 октября 1672 состоялось первое представление «Эсфири» («Артаксерксово действо») Иоганна Готфрида Грегори, длившееся десять часов, до самого утра. К участию в действии была привлечена музыка - оркестр из немцев и дворовых людей, игравших «на органах, виолах и других инструментах», возможно, в пьесе участвовали и хоры из «государевых певчих дьяков». Царь был очарован, все участники спектакля были обласканы, щедро вознаграждены и даже допущены к целованию царской руки - «были у великого государя у руки», некоторые получили чины и жалования, сам Грегори получил сорок соболей на сто рублей (мера меховой казны).

Следующие пьесы Грегори разыгрывались уже в Москве в кремлёвских палатах, зрителями были приближённые царя: бояре, окольничие, дворяне, дьяки; для царицы и царевен были специальные места, огороженные частой решёткой, чтобы они не были видны публике. Спектакли начинались в 10 часов вечера и длились до утра. Если в «Артаксерксовом действе» участие музыки носило, скорее, случайный характер, то в 1673 на сцене появилась пьеса вполне аналогичная опере. Вероятнее всего, это была переделка либретто оперы Ринуччини «Эвридика», которая была одной из самых первых опер и широко разошлась по Европе в многочисленных обработках.

Иоганн Грегори в 1673 году даже основал театральную школу, в которой 26 мещанских детей учились «комедийному делу». Однако в 1675 году Грегори заболел и поехал в немецкие земли на лечение, но вскоре умер в городе Мерзербурге, где и был похоронен, а театральная школа закрылась. После смерти царя Алексея Михайловича в 1676 году новый царь Фёдор Алексеевич не проявил заинтересованности в театре, главный покровитель Артамон Матвеев был отправлен в ссылку в Пустозёрск, театры разукомплектовали. Зрелища прекратились, но осталась мысль, что это позволительно, раз сам государь потешался этим.

Прожив большую часть жизни в России, Грегори отстал от современных театральных тенденций и поставленные им комедии были устаревшими, тем не менее, начало драматическому и оперному искусству в России было положено. Следующее обращение к театру и его возрождение произошли спустя двадцать пять лет, во времена Петра I.

С тех пор миновало четыре столетия, но опера до сих считается одним из самых популярных музыкальных жанров. Понимание оперной музыки доступно каждому, этому помогают слова и сценические действия, а музыка усиливает впечатления от драмы, выражая с присущей ей лаконичностью то, что иногда трудно передать словами.

В настоящее время интерес у российской публики вызывают оперы С. М. Слонимского, Р. К. Щедрина, Л. А. Десятникова, В. А. Кобекина, А. В. Чайковского - их, хотя и сложно, но можно посмотреть, приобретя билеты в Большой театр. Самым известным и популярным театром нашей страны, конечно же, является Большой театр - один из основных символов нашего государства и его культуры. Раз побывав в Большом, вы сможете в полном мере ощутить союз музыки и драмы.

Русская композиторская школа, продолжателем традиций которой стала советская и сегодняшняя российская школы, начиналась в 19 веке с композиторов, объединивших европейское музыкальное искусство с русскими народными мелодиями, связав воедино европейскую форму и русский дух.

О каждом из этих знаменитых людей можно рассказывать много, у всех не простые, а порой и трагические судьбы, но в данном обзоре мы постарались дать только краткую характеристику жизни и творчества композиторов.

1. Михаил Иванович Глинка

(1804-1857)

Михаил Иванович Глинка в период сочинения оперы «Руслан и Людмила». 1887г., художник Илья Ефимович Репин

«Чтобы красоту создать, надо самому быть чистым душой.»

Михаил Иванович Глинка является основоположником русской классической музыки и первым отечественным композитором-классиком, достигшим мировой славы. Его работы, опиравшиеся на многовековые традиции русской народной музыки, были новым словом в музыкальном искусстве нашей страны.

Родился в Смоленской губернии, образование получил в Санкт-Петербурге. Формированию мировоззрения и основной идеи творчества Михаила Глинки способствовало непосредственное общение с такими личностями, как А.С.Пушкин, В.А.Жуковский, А.С.Грибоедов, А.А.Дельвиг. Творческий импульс его работам добавила многолетняя поездка по Европе в начале 1830-х и встречи с ведущими композиторами времени — В.Беллини, Г.Доницетти, Ф.Мендельсоном и позже с Г.Берлиозом, Дж.Мейербером.

Успех пришел к М.И.Глинке в 1836 году, после постановки оперы «Иван Сусанин» («Жизнь за царя»), которая была восторженно встречена всеми, впервые в мировой музыке органично соединились русское хоровое искусство и европейская симфоническая и оперная практика, а также появился герой, подобный Сусанину, образ которого обобщает лучшие черты национального характера.

В.Ф.Одоевский охарактеризовал оперу «новая стихия в Искусстве, и начинается в его истории новый период — период Русской музыки».

Вторая опера — эпическая «Руслан и Людмила» (1842), работа над которой велась на фоне смерти Пушкина и в тяжелых жизненных условиях композитора, в силу глубоко новаторской сущности произведения, была неоднозначно встречена зрителями и властями, и принесла М.И.Глинке тяжелые переживания. После этого он много путешествовал, попеременно живя в России и за рубежом, не прекращая сочинять. В его наследии остались романсы, симфонические и камерные работы. В 1990-х годах «Патриотическая песня» Михаила Глинки была официальным гимном Российской Федерации.

Цитата о М.И.Глинке: «Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в жёлуде, заключена в симфонической фантазии «Камаринская». П.И.Чайковский

Интересный факт: Михаил Иванович Глинка не отличался крепким здоровьем, несмотря на это был очень лёгок на подъем и прекрасно знал географию, возможно, если бы он не стал композитором, то стал путешественником. Он знал шесть иностранных языков, в том числе персидский.

2. Александр Порфирьевич Бородин

(1833-1887)

Александр Порьфирьевич Бородин, один из ведущих русских композиторов второй половины 19-го века, кроме композиторского таланта был учёным-химиком, врачом, педагогом, критиком и обладал литературным дарованием.

Родился в Санкт-Петербурге, с детства все окружающие отмечали его необычную активность, увлекаемость и способности в различных направлениях, в первую очередь в музыке и химии.

А.П.Бородин является русским композитором-самородком, у него не было профессиональных учителей-музыкантов, все его достижения в музыке благодаря самостоятельной работе над овладением техникой композирования.

На формирование А.П.Бородина влияние оказало творчество М.И. Глинки (как впрочем на всех русских композиторов 19-го века), а импульсом к плотному занятию композицией в начале 1860-х дали два события — во-первых, знакомство и женитьба с талантливой пианисткой Е.С.Протопоповой, во-вторых, встреча с М.А.Балакиревым и вступление в творческое содружество русских композиторов, известного как «Могучая кучка».

В конце 1870-х и в 1880-х А.П.Бородин много путешествует и гастролирует в Европе и Америке, встречается с передовыми композиторами своего времени, его известность растет, он стал одним из самых известных и популярных русских композиторов в Европе конца 19-го века.

Центральное место в творчестве А.П.Бородина занимает опера «Князь Игорь» (1869-1890), являющаяся образцом национального героического эпоса в музыке и которую он сам не успел закончить (её завершили его друзья А.А.Глазунов и Н.А. Римский-Корсаков). В «Князе Игоре», на фоне величественных картин исторических событий, нашла отражение главная мысль всего творчества композитора — мужество, спокойное величие, душевное благородство лучших русских людей и могучая сила всего русского народа, проявляющаяся при защите родины.

Несмотря на то, что А.П.Бородин оставил относительно небольшое количество произведений, его творчество очень разноплановое и он считается одним из отцов русской симфонической музыки, оказавшим влияние на многие поколения русских и зарубежных композиторов.

Цитата о А.П.Бородине: «Талант Бородина равно могуч и поразителен как в симфонии, так и в опере и в романсе. Главные качества его — великанская сила и ширина, колоссальный размах, стремительность и порывистость, соединенная с изумительной страстностью, нежностью и красотой». В.В.Стасов

Интересный факт: Именем Бородина названа химическая реакция серебряных солей карбоновых кислот с галогенами, дающая в результате галогенозамещенные углеводороды, которую он первым исследовал в 1861 году.

3. Модест Петрович Мусоргский

(1839-1881)

«Звуки человеческой речи, как наружные проявления мысли и чувства, должны без утрировки и насилования сделаться музыкой правдивой, точной, но художественной, высокохудожественной.»

Модест Петрович Мусоргский — один из самых гениальных русских композиторов 19 столетия, член «Могучей кучки». Новаторское творчество Мусоргского далеко опередило своё время.

Родился в Псковской губернии. Как многие талантливые люди, с детства показал способности в музыке, учился в Санкт-Петербурге, был, по семейной традиции, военным. Решающим событием, определившим, что Мусоргский рожден не для военной службы, а для музыки, стала его встреча с М.А.Балакиревым и вступление в «Могучую кучку».

Мусоргский велик тем, что в своих грандиозных произведениях — операх «Борис Годунов» и «Хованщина» запечатлел в музыке драматические вехи российской истории с радикальной новизной, которую не знала до него русская музыка, показав в них сочетание массовых народных сцен и разнообразное богатство типов, неповторимый характер русских людей. Эти оперы, в многочисленных редакциях, как автора, так и других композиторов, являются одними из самых популярных русских опер в мире.

Еще одним выдающимся произведением Мусоргского является цикл фортепианных пьес «Картинки с выставки», колоритные и изобретательные миниатюры пронизаны русской темой-рефреном и православной верой.

В жизни Мусоргского было все — и величие, и трагедия, но он всегда отличался подлинной духовной чистотой и бескорыстием.

Последние его годы были тяжелыми — жизненная неустроенность, непризнание творчества, одиночество, пристрастие к алкоголю, всё это определило его раннюю смерть в 42 года, он оставил сравнительно немного сочинений, некоторые из которых были завершены другими композиторами.

Специфическая мелодика и новаторская гармония Мусоргского предвосхитили некоторые черты музыкального развития 20 века и сыграли важную роль в становлении стилей многих мировых композиторов.

Цитата о М.П.Мусоргском: «Исконно русское звучит во всем, что творил Мусоргский» Н. К. Рерих

Интересный факт: В конце жизни Мусоргский, под давлением «друзей» Стасова и Римского-Корсакова, отказался от авторских прав на свои произведения и подарил их Тертию Филиппову.

4. Петр Ильич Чайковский

(1840-1893)

«Я артист, который может и должен принести честь своей Родине. Я чувствую в себе большую художественную силу, я еще не сделал и десятой доли того, что могу сделать. И я хочу всеми силами души это сделать.»

Пётр Ильич Чайковский, пожалуй самый великий русский композитор 19 века, поднял на небывалую высоту русское музыкальное искусство. Он является одним из самых важных композиторов мировой классической музыки.

Уроженец Вятской губернии, хотя корни по отцовской линии на Украине, Чайковский с детства показал музыкальные способности, однако первое образование и работа была в области правоведения.

Чайковский — один из первых русских композиторов-«профессионалов» — теорию музыки и композицию он изучал в новой Санкт-Петербургской консерватории.

Чайковского считали «западным» композитором, в противопоставлении народным деятелям «Могучей кучки», с которыми у него были хорошие творческие и дружеские отношения, однако его творчество не менее пронизано русским духом, ему удалось уникально соединить западное симфоническое наследие Моцарта, Бетховена и Шумана с русскими традициями, унаследованными от Михаила Глинки.

Композитор вёл активную жизни — был педагогом, дирижёром, критиком, общественным деятелем, работал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке.

Чайковский был человеком достаточно эмоционально неустойчивым, восторженность, уныние, апатия, вспыльчивость, буйный гнев — все эти настроения менялись в нём достаточно часто, будучи очень общительным человеком, он всегда стремился к одиночеству.

Выделить что-то лучшее из творчества Чайковского — сложная задача, у него несколько равновеликих произведений почти во всех музыкальных жанрах — опера, балет, симфония, камерная музыка. А содержание музыки Чайковского универсально: с неподражаемым мелодизмом она охватывает образы жизни и смерти, любви, природы, детства, в ней по-новому раскрываются произведения русской и мировой литературы, отражаются глубокие процессы духовной жизни.

Цитата композитора: «Жизнь имеет только тогда прелесть, когда состоит из чередования радостей и горя, из борьбы добра со злом, из света и тени, словом — из разнообразия в единстве.»

«Большой талант требует большого трудолюбия.»

Цитата о композиторе: «Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, — до такой степени я уважаю его» А.П.Чехов

Интересный факт: Кембриджский университет заочно и без защиты диссертации удостоил Чайковского звания доктора музыки, так же Парижская академии Изящных искусств избрала его членом-корреспондентом.

5. Николай Андреевич Римский-Корсаков

(1844-1908)

Николай Андреевич Римский-Корсаков — талантливый русский композитор, одна из важнейших фигур в создании бесценного отечественного музыкального достояния. Его своеобразный мир и поклонение вечной всеобъемлющей красоте мироздания, восхищения чудом бытия, единства с природой не имеют аналогов в истории музыки.

Родился в Новгородской губернии, по семейной традиции стал морским офицером, на военном корабле обошёл много стран Европы и двух Америк. Музыкальное образование получил сначала от матери, затем беря частные уроки у пианиста Ф. Канилле. И опять благодаря М.А.Балакиреву, организатору «Могучей кучки», который ввёл Римского-Корсакова в музыкальное сообщество и повлиял на его творчество, мир не потерял талантливого композитора.

Центральное место в наследии Римского-Корсакова составляют оперы — 15 работ, демонстрирующих разнообразие жанровых, стилистических, драматургических, композиционных решений композитора, тем не менее имеющих особенный почерк — при всём богатстве оркестровой составляющей главными являются мелодичные вокальные линии.

Два основных направления отличают творчество композитора: первое — русская история, второе — мир сказки и эпоса, за что он получил прозвище «сказочник».

Кроме непосредственной самостоятельной творческой деятельности Н.А.Римский-Корсаков известен как публицист, составитель сборников народных песен, к которым он проявлял большой интерес, а также как завершитель работ своих друзей — Даргомыжского, Мусоргского и Бородина. Римский-Корсаков был создателем композиторской школы, как педагог и руководитель Санкт-Петербургской консерватории он выпустил около двухсот композиторов, дирижёров, музыковедов, среди них Прокофьев и Стравинский.

Цитата о композиторе: «Римский-Корсаков был очень русским человеком и очень русским композитором. Я считаю, что эта его исконно русская суть, его глубинная фольклорно-русская основа сегодня должна быть особенно ценима». Мстислав Ростропович

Факт о композиторе: Первый урок контрапункта Николай Андреевич начал так:

— Сейчас я буду очень много говорить, а вы будете очень внимательно слушать. Потом я буду говорить меньше, а вы будете слушать и думать, и, наконец, я совсем не буду говорить, и вы будете думать своей головой и работать самостоятельно, потому что моя задача как учителя — стать вам ненужным…

Содержание статьи

РУССКАЯ ОПЕРА. Русская оперная школа – наряду с итальянской, немецкой, французской – имеет общемировое значение; преимущественно это касается ряда опер, созданных во второй половине 19 в., а также нескольких сочинений 20 в. Одна из самых популярных опер на мировой сцене в конце 20 в. – Борис Годунов М.П.Мусоргского, часто ставится также Пиковая дама П.И.Чайковского (реже другие его оперы, преимущественно Евгений Онегин ); большой известностью пользуется Князь Игорь А.П.Бородина; из 15 опер Н.А.Римского-Корсакова регулярно появляется Золотой петушок . Среди опер 20 в. наиболее репертуарны Огненный ангел С.С.Прокофьева и Леди Макбет Мценского уезда Д.Д.Шостаковича. Разумеется, это никак не исчерпывает богатства национальной оперной школы.

Появление оперы в России (18 в.).

Опера была одним из первых западноевропейских жанров, закрепившихся на русской почве. Уже в 1730-е годы была создана придворная итальянская опера, для которой писали музыканты-иностранцы, работавшие в России во второй половине века появляются публичные оперные представления; оперы ставятся также в крепостных театрах. Первой русской оперой считается Мельник – колдун, обманщик и сват Михаила Матвеевича Соколовского на текст А.О.Аблесимова (1779) – бытовая комедия с музыкальными номерами песенного характера, положившая начало ряду популярных произведений данного жанра – ранней комической оперы. Среди них выделяются оперы Василия Алексеевича Пашкевича (ок. 1742–1797) (Скупой , 1782; Санктпетербургский гостиный двор , 1792; Несчастье от кареты , 1779) и Евстигнея Ипатовича Фомина (1761–1800) (Ямщики на подставе , 1787; Американцы , 1788). В жанре оперы-сериа написаны два произведения крупнейшего композитора этого периода Дмитрия Степановича Бортнянского (1751–1825) на французские либретто – Сокол (1786) и Сын-соперник, или Современная Стратоника (1787); интересные опыты имеются в жанрах мелодрамы и музыки к драматическому спектаклю.

Опера до Глинки (19 в).

В следующем столетии популярность в России оперного жанра еще более возрастает. Опера была вершиной устремлений русских композиторов 19 в., и даже те из них, кто не оставил ни одного сочинения в этом жанре (например, М.А.Балакирев , А.К.Лядов), в течение долгих лет обдумывали те или иные оперные проекты. Причины этого ясны: во-первых, опера, как заметил Чайковский, была жанром, который давал возможность «говорить языком масс»; во-вторых, опера позволяла художественно освещать крупные идеологические, исторические, психологические и прочие проблемы, занимавшие умы русских людей в 19 в.; наконец, в молодой профессиональной культуре имелось сильное тяготение к жанрам, включавшим вместе с музыкой слово, сценическое движение, живопись. Кроме того, уже сложилась определенная традиция – наследие, оставленное в музыкально-театральном жанре 18 в.

В первые десятилетия 19 в. придворный и частный театр отмирали, монополия сосредоточивалась в руках государства. Музыкально-театральный быт обеих столиц был очень оживленным: первая четверть века – эпоха расцвета русского балета; в 1800-х годах в Петербурге существовало четыре театральные труппы – русская, французская, немецкая и итальянская, из которых первые три ставили и драму и оперу, последняя – только оперу; по несколько трупп работало и в Москве. Самой устойчивой оказалась итальянская антреприза – даже в начале 1870-х годах молодой Чайковский, выступавший на критическом поприще, вынужден был бороться за приличное положение московской русской оперы в сравнении с итальянской; Раек Мусоргского, в одном из эпизодов которого высмеивается страсть петербургской публики и критики к знаменитым итальянским певцам, тоже написан на рубеже 1870-х годов.

Буальдьё и Кавос.

Среди приглашенных в Петербург иностранных композиторов в этом периоде выделяются имена известного французского автора Адриена Буальдьё (см . БУАЛЬДЬЁ, ФРАНСУА АДРИЕН) и итальянца Катерино Кавоса (1775–1840), который в 1803 стал капельмейстером русской и итальянской оперы, в 1834–1840 возглавлял уже только русскую оперу (и в этом качестве способствовал постановке Жизни за царя Глинки, хотя еще в 1815 сочинил собственную оперу на тот же сюжет, имевшую значительный успех), был инспектором и директором всех оркестров императорских театров, много писал на русские сюжеты – как сказочные (Князь-невидимка и Илья-богатырь на либретто И.А.Крылова, Светлана на либретто В.А.Жуковского и др.), так и патриотические (Иван Сусанин на либретто А.А.Шаховского, Казак-стихотворец на либретто того же автора). К «волшебно-сказочной», феерической линии принадлежала и самая популярная опера первой четверти века – Леста, или Днепровская русалка Кавоса и Степана Ивановича Давыдова (1777–1825). В 1803 в Петербурге был поставлен венский зингшпиль Дунайская русалка Фердинанда Кауэра (1751–1831) с дополнительными музыкальными номерами Давыдова – в переводе Днепровская русалка ; в 1804 в Петербурге появилась вторая часть того же зингшпиля со вставными номерами Кавоса; затем были сочинены – уже одним Давыдовым – русские продолжения. Смешение фантастического, реально-национального и балаганно-шутовского планов надолго задержалось в русском музыкальном театре (в западноевропейской музыке аналогиями могут служить раннеромантические оперы К.М.Вебера – Вольный стрелок и Оберон , принадлежащие к тому же типу сказочного зингшпиля).

В качестве второй ведущей линии оперного творчества первых десятилетий 19 в. выделяется бытовая комедия из «народной» жизни – тоже жанр, известный по прошлому столетию. К ней относятся, например, одноактные оперы Ям, или Почтовая станция (1805), Посиделки, или следствие Яма (1808), Девишник, или Филаткина свадьба (1809) Алексея Николаевича Титова (1769–1827) на либретто А.Я.Княжнина, сюжетно образующие трилогию. Долгое время удерживалась в репертуаре опера Старинные святки чеха Франца Блимы на текст историка А.Ф.Малиновского по мотивам народного обряда; успех имели «песенные» оперы Даниила Никитича Кашина (1770–1841) Наталья, боярская дочь (1803) по повести Н.М.Карамзина в переработке С.Н.Глинки и Ольга Прекрасная (1809) на либретто того же автора. Эта линия особенно расцвела в эпоху войны 1812. Музыкально-патриотические спектакли, сочиненные на скорую руку и соединявшие очень простую, «злободневную» сюжетную основу с танцем, пением и разговорами (характерны названия: Ополчение, или Любовь к отечеству , Казак в Лондоне , Праздник в стане союзных армий при Монмартре , Казак и прусский волонтер в Германии , Возвращение ополчения ), положили начало дивертисменту как особому музыкально-театральному жанру.

Верстовский.

Крупнейшим русским оперным композитором до Глинки был А.Н.Верстовский (1799–1862) (см . ВЕРСТОВСКИЙ, АЛЕКСЕЙ НИКОЛАЕВИЧ) . Хронологически эпоха Верстовского совпадает с эпохой Глинки: хотя первая опера московского композитора – Пан Твардовский (1828) появилась раньше Жизни за царя , самое популярное произведение – Аскольдова могила – в один год с оперой Глинки, а последняя опера Верстовского, Громобой (1857), уже после смерти Глинки. Большой (хотя в основном чисто московский) успех опер Верстовского и «живучесть» самой удачной из них – Аскольдовой могилы – объясняется привлекательностью для современников сюжетов, построенных на мотивах «древнейших русско-славянских преданий» (разумеется, трактованных весьма условно), и музыки, в интонационном строе которой пестро сочетаются национально-русские, западнославянские и молдавско-цыганские бытовые интонации. Очевидно, что Верстовский не владел большой оперной формой: почти во всех его операх музыкальные «номера» чередуются с пространными разговорными сценами (попытки композитора в поздних сочинениях писать речитативы не меняют дела), оркестровые фрагменты обычно не интересны и не живописны, тем не менее оперы этого композитора, по выражению современника, «звучали чем-то знакомым», «восхитительно родным». «Благородное чувство любви к отечеству», пробуждаемое этими «легендарными» операми, можно сравнить с впечатлениями публики от романов Загоскина, постоянного либреттиста композитора.

Глинка.

Хотя сейчас достаточно подробно исследована музыка доглинкинской эпохи, явление Михаила Ивановича Глинки (1804–1857) так и не перестает казаться чудом. Основополагающие качества его дара – глубокий интеллектуализм и тонкий артистизм. Глинка вскоре пришел к идее писать «большую русскую оперу», подразумевая под этим произведение высокого, трагического жанра. Первоначально (в 1834) тема подвига Ивана Сусанина, указанная композитору В.А.Жуковским, обрела вид сценической оратории из трех картин: село Сусанина, столкновение с поляками, триумф. Однако затем Жизнь за царя (1836) стала настоящей оперой с мощным хоровым началом, что соответствовало традиции национальной культуры и во многом предопределило дальнейший путь русской оперы. Глинка первым из русских авторов решил проблему сценической музыкальной речи, а что касается музыкальных «номеров», то они, написанные в традиционных сольных, ансамблевых, хоровых формах, оказались наполнены столь новым интонационным содержанием, что ассоциации с итальянскими или иными моделями были преодолены. Кроме того, в Жизни за царя была преодолена стилистическая пестрота предшествующей русской оперы, когда жанровые сцены писались «по-русски», лирические арии «по-итальянски», а драматические моменты «по-французски» или «по-немецки». Однако многие русские музыканты следующих поколений, отдавая должное этой героической драме, предпочитали все же вторую оперу Глинки – Руслан и Людмила (по Пушкину, 1842), усматривая в этом произведении целое новое направление (его продолжили Н.А.Римский-Корсаков и А.П.Бородин). Задачи оперного Руслана – совсем иные, чем в пушкинском произведении: первое в музыке воссоздание древнерусского духа; «аутентичный» Восток в разных его обличиях – «томных» и «воинственных»; фантастика (Наина, замок Черномора) – совершенно самобытная и ничем не уступающая фантастике самых передовых современников Глинки – Берлиоза и Вагнера.

Даргомыжский.

Александр Сергеевич Даргомыжский (1813–1869) начал путь оперного композитора совсем молодым, во второй половине 1830-х годов, когда, вдохновленный премьерой Жизни за царя , принялся писать музыку на французское либретто В.Гюго Эсмеральда .

Сюжет следующей оперы возник еще до постановки Эсмеральды (1841), и это была пушкинская Русалка , которая, однако, появилась на сцене только в 1856. Пьеса Пушкина вышла у композитора отнесенной скорее к современности, чем к старине, и язык Русалки тоже оказался приближенным к современному музыкальному быту. В отличие от виртуозной инструментовки Глинки, оркестр Даргомыжского скромен, красивые народные хоры Русалки носят достаточно традиционный характер, и основное драматическое содержание сосредоточивается в сольных партиях и особенно в великолепных ансамблях, причем в мелодическом колорите собственно русские элементы сочетаются со славянскими – малороссийскими и польскими. Последняя опера Даргомыжского, Каменный гость (по Пушкину, 1869, поставлена в 1872), вполне новаторское, даже экспериментальное произведение в жанре «разговорной оперы» (opera dialogue). Композитор обошелся здесь без развитых вокальных форм типа арии (исключением являются лишь две песни Лауры), без симфонизированного оркестра, и в результате явилось произведение необычайно изысканное, в котором самая краткая мелодическая фраза или даже одно созвучие может приобретать большую и самостоятельную выразительность.

Серов.

Позже Даргомыжского, но ранее кучкистов и Чайковского заявил о себе в оперном жанре Александр Николаевич Серов (1820–1871). Первая его опера, Юдифь (1863), появилась, когда автору было уже за сорок (до этого Серов приобрел значительную известность как музыкальный критик, но как композитор не создал ничего примечательного). Пьеса П.Джакометти (написанная специально для знаменитой трагической актрисы Аделаиды Ристори, которая в этой роли произвела фурор в Петербурге и в Москве) на библейский сюжет о героине, спасающей свой народ от рабства, вполне соответствовала возбужденному состоянию русского общества на рубеже 1860-х годов. Привлекателен был также красочный контраст суровой Иудеи и утопающей в роскоши Ассирии. Юдифь принадлежит к жанру «большой оперы» мейерберовского типа, что тоже было ново на российской сцене; в ней сильно ораториальное начало (развернутые хоровые сцены, в наибольшей мере отвечающие духу библейской легенды и имеющие опору в классическом ораториальном стиле генделевского типа) и в то же время театрально-декоративное (дивертисменты с танцами). Мусоргский назвал Юдифь первой после Глинки «серьезно трактованной» оперой на русской сцене. Ободренный теплым приемом, Серов тут же принялся за новую оперу, теперь на русский исторический сюжет, – Рогнеду . «Историческое либретто» по летописи вызвало массу упреков в неправдоподобности, искажении фактов, «заштампованности», фальшивости якобы простонародного языка и т.д.; музыка же, несмотря на массу «общих мест», содержала эффектные фрагменты (среди которых первое место занимает, конечно, варяжская баллада Рогнеды – она и до сих пор встречается в концертном репертуаре). После Рогнеды (1865) Серов совершил весьма резкий поворот, обратившись к драме из современного быта – пьесе А.Н.Островского Не так живи, как хочется и тем самым став первым композитором, решившимся писать «оперу из современности» – Вражья сила (1871).

«Могучая кучка».

Появление последних опер Даргомыжского и Серова лишь немного опережает по времени постановки первых опер композиторов «Могучей кучки». Кучкистская опера имеет некоторые «родовые» черты, проявляющиеся у столь разных художников, как Мусоргский, Римский-Корсаков и Бородин: предпочтение русских тем, в особенности исторических и сказочно-мифологических; большое внимание не только к «достоверной» разработке сюжета, но и к фонетике и семантике слова, и вообще к вокальной линии, которая всегда, даже в случае очень развитого оркестра, находится на первом плане; весьма значительная роль хоровых (чаще всего – «народных») сцен; «сквозной», а не «номерной» тип музыкальной драматургии.

Мусоргский.

Оперы, как и другие жанры, связанные с вокальным интонированием, составляют основную часть наследия Модеста Петровича Мусоргского (1839–1881): юношей он начал свой путь в музыке с оперного плана (неосуществленная опера Ган-исландец по В.Гюго) и ушел из жизни, оставив незавершенными две оперы – Хованщину и Сорочинскую ярмарку (первая была полностью закончена в клавире, но почти не инструментована; во второй – сочинены главные сцены).

Первой большой работой молодого Мусоргского во второй половине 1860-х годов стала опера Саламбо (по Г.Флоберу, 1866; осталась незаконченной; в более позднем автобиографическом документе сочинение обозначено не как «опера», а как «сцены» и именно в таком качестве исполняется ныне). Здесь создан вполне самобытный образ Востока – не столько экзотического «карфагенского», сколько русско-библейского, который имеет параллели в живописи («библейские эскизы» Александра Иванова) и в поэзии (например, Алексея Хомякова). Противоположное «антиромантическое» направление представляет вторая незавершенная ранняя опера Мусоргского – Женитьба (по Гоголю, 1868). Этот, по определению автора, «этюд для камерной пробы» продолжает линию Каменного гостя Даргомыжского, но максимально заостряет ее выбором прозы вместо поэзии, сюжета совершенно «реального», притом еще и «современного», укрупняя таким образом до масштабов оперного жанра те опыты «романса-сцены», которые предпринимал Даргомыжский (Титулярный советник , Червяк и др.) и сам Мусоргский.

Борис Годунов

(1-я редакция – 1868–1869; 2-я редакция – 1872, поставлена в 1874) имеет подзаголовок «по Пушкину и Карамзину», в основе его – трагедия Пушкина, но со значительными вставками композитора. Уже в первой, более камерной редакции оперы, сосредоточенной на драме личности как драме «преступления и наказания» (Борис Годунов – современник Преступления и наказания Ф.М.Достоевского), Мусоргский очень далеко отошел от любых оперных канонов – как в смысле напряженности драматургии и остроты языка, так и в трактовке исторического сюжета. Работая над второй редакцией Бориса Годунова , включившей как несколько более традиционный «польский акт», так и совершенно необычную в опере сцену народного восстания («Под Кромами»), Мусоргский, возможно, уже держал в уме дальнейшее развитие прецедента Смутного времени – восстание Разина, стрелецкие бунты, раскол, пугачевщину, т.е. возможные и лишь частично воплощенные сюжеты своих будущих опер – музыкально-исторической хроники России. Из этой программы была осуществлена только драма раскола – Хованщина , к которой Мусоргский приступил сразу же по окончании второй редакции Бориса Годунова , даже одновременно с ее завершением; тогда же в документах появляется замысел «музыкальной драмы с участием поволжской казачины», а позже Мусоргский помечает сделанные им записи народных песен «Для последней оперы Пугачевщина ».

Борис Годунов , в особенности в первой редакции, представляет тип оперы со сквозным развитием музыкального действия, где завершенные фрагменты возникают, лишь будучи обусловленными сценической ситуацией (хор славления, плач царевны, полонез на балу во дворце и т.д.). В Хованщине Мусоргский поставил задачу создания, по его словам, «осмысленной/оправданной» мелодии, и основой ее стала песня, т.е. не инструментальная по природе (как в классической арии), а строфическая, свободно варьируемая структура – в «чистом» виде либо в сочетании с речитативным элементом. Это обстоятельство во многом определило форму оперы, которая, при сохранении слитности, текучести действия, включила в себя гораздо больше «завершенных», «закругленных» номеров – и хоровых (Хованщина в гораздо большей степени, чем Борис Годунов , хоровая опера – «народная музыкальная драма»), и сольных.

В отличие от Бориса Годунова , который шел на сцене Мариинского театра несколько лет и был издан при жизни автора, Хованщина первый раз прозвучала в редакции Римского-Корсакова спустя полтора десятилетия после кончины автора, в конце 1890-х годов была поставлена в Московской частной русской опере С.И.Мамонтова с молодым Шаляпиным в партии Досифея; в Мариинском театре Хованщина появилась, благодаря усилиям того же Шаляпина, в 1911, почти одновременно с показами оперы в Париже и Лондоне Дягилевской антрепризой (тремя годами раньше сенсационный успех имела дягилевская парижская постановка Бориса Годунова ). В 20 в. неоднократно предпринимались попытки воскрешения и завершения Женитьбы и Сорочинской ярмарки в разных редакциях; для второй из них эталонной стала реконструкция В.Я.Шебалина.

Римский-Корсаков.

В наследии Николая Андреевича Римского-Корсакова (1844–1908) представлены многие основные музыкальные жанры, но крупнейшие его достижения связаны, как и у Мусоргского, с оперой. Она проходит через всю жизнь композитора: от 1868, начала сочинения первой оперы (Псковитянка ), до 1907, завершения последней, пятнадцатой оперы (Золотой петушок ). Особенно напряженно Римский-Корсаков работал в этом жанре с середины 1890-х годов: за последующие полтора десятилетия им было создано 11 опер. До середины 1890-х годов все премьеры опер Римского-Корсакова проходили в Мариинском театре; позже, с середины 1890-х годов, основополагающее значение приобрело сотрудничество композитора с Московской частной русской оперой С.И.Мамонтова, где было поставлено большинство поздних корсаковских опер, начиная с Садко . Это сотрудничество сыграло особую роль в становлении нового типа оформления и режиссерского решения музыкального спектакля (а также в творческом развитии таких художников мамонтовского круга, как К.А.Коровин, В.М.Васнецов, М.А.Врубель).

Совершенно уникальна редакторская деятельность Римского-Корсакова: благодаря ему впервые были поставлены Хованщина и Князь Игорь , оставшиеся незавершенными после смерти Мусоргского и Бородина (редакция бородинской оперы сделана вместе с А.К.Глазуновым); он инструментовал Каменного гостя Даргомыжского (причем дважды: для премьеры в 1870 и заново в 1897–1902) и издал Женитьбу Мусоргского; в его редакции приобрел мировую известность Борис Годунов Мусоргского (и хотя ныне все чаще предпочтение отдается авторской редакции, корсаковская версия продолжает идти во многих театрах); наконец, Римский-Корсаков (вместе с Балакиревым, Лядовым и Глазуновым) дважды готовил к изданию оперные партитуры Глинки. Таким образом, относительно оперного жанра (как и в ряде других аспектов) творчество Римского-Корсакова составляет своего рода стержень русской классической музыки, соединяя эпоху Глинки и Даргомыжского с 20 в.

Среди 15 опер Римского-Корсакова нет жанрово однотипных; даже его оперы-сказки во многом непохожи друг на друга: Снегурочка (1882) – «весенняя сказка», Сказка о царе Салтане (1900) – «просто сказка», Кащей Бессмертный (1902) – «осенняя сказочка», Золотой петушок (1907) – «небылица в лицах». Подобный перечень может быть продолжен: Псковитянка (1873) – опера-летопись, Млада (1892) – опера-балет, Ночь перед Рождеством (1895) – по авторскому определению, «быль-колядка», Садко (1897) – опера-былина, Моцарт и Сальери (1898) – камерные «драматические сцены», Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии (1904) – опера-сказание (или «литургическая драма»). К более традиционным оперным типам принадлежат лирическая комедия Майская ночь (по Гоголю, 1880), лирическая драма на русский исторический сюжет Царская невеста (по Л.А.Мею, 1899; и пролог к этой опере Боярыня Вера Шелога , 1898) и две пользующиеся меньшей известностью (и действительно менее удачные) оперы рубежа 19–20 вв. – Пан воевода (1904) на польские мотивы и Сервилия (1902) по пьесе Мея, действие которой происходит в Риме первого века нашей эры.

В сущности, Римский-Корсаков реформировал оперный жанр – в масштабах собственного творчества и не провозглашая никаких теоретических лозунгов. Эта реформа была связана с опорой на уже сложившиеся закономерности русской школы (на Руслана и Людмилу Глинки и на эстетические принципы кучкизма), на народное творчество в самых разных его проявлениях и на древнейшие формы человеческого мышления – миф, эпос, сказку (последнее обстоятельство, несомненно, сближает русского композитора с его старшим современником – Рихардом Вагнером, хотя к основным параметрам собственной оперной концепции Римский-Корсаков пришел совершенно самостоятельно, до знакомства с тетралогией и поздними операми Вагнера). Типической чертой «мифологических» опер Римского-Корсакова, связанных со славянским солнечным культом (Майская ночь , Ночь перед Рождеством , Млада , оперы-сказки), является «многомирие»: действие разворачивается в двух или более «мирах» (люди, природные стихии и их олицетворения, языческие божества), причем каждый «мир» говорит на своем языке, что соответствует самооценке Римского-Корсакова как композитора «объективного» склада. Для опер среднего периода, от Майской ночи до Ночи перед Рождеством , характерно насыщение музыкального действия обрядово-ритуальными сценами (связанными с праздниками древнего крестьянского календаря – в целом в операх Римского-Корсакова отражен весь языческий год); в более поздних произведениях обрядовость, «уставность» (в том числе христианская православная, а часто – синтез «старой» и «новой» народной веры) проступает в более опосредованном и утонченном виде. Хотя оперы композитора регулярно исполнялись в 19 в., настоящую оценку они получили лишь на рубеже 19–20 вв. и позже, в Серебряном веке, которому этот мастер оказался наиболее созвучен.

Бородин.

Замысел Князя Игоря Александра Порфирьевича Бородина (1833–1877) относится к той же эпохе, что и замыслы Бориса Годунова , Хованщины и Псковитянки , т.е. к концу 1860-х – началу 1870-х годов, однако по разным обстоятельствам опера не была вполне закончена и к моменту кончины автора в 1886, а премьера ее (в редакции Римского-Корсакова и Глазунова) состоялась почти одновременно с Пиковой дамой Чайковского (1890). Характерно, что в отличие от своих современников, обращавшихся за историческими оперными сюжетами к драматическим событиям царствований Ивана Грозного, Бориса Годунова и Петра Первого, Бородин взял в качестве основы древнейший эпический памятник – Слово о полку Игореве . Будучи крупным ученым-естественником, он применил научный подход и к оперному либретто, занявшись истолкованием трудных мест памятника, изучением эпохи действия, сбором сведений о древних кочевых народах, упомянутых в Слове . Бородин имел взвешенный и реалистичный взгляд на проблему оперной формы и не стремился полностью преобразовывать ее. Результатом стало появление произведения не только прекрасного в целом и в подробностях, но и, с одной стороны, стройного и уравновешенного, а с другой – необычайно самобытного. В русской музыке 19 в. трудно найти более «аутентичное» воспроизведение крестьянского фольклора, чем в Хоре поселян или Плаче Ярославны. Хоровой Пролог к опере, где как бы подхватывается и развивается «сказовая» интонация древнерусских сцен глинкинского Руслана , подобен средневековой фреске. Восточные мотивы Князя Игоря («половецкий раздел») по силе и достоверности «степного» колорита не имеют себе равных в мировом искусстве (новейшие исследования показали, сколь чуток оказался Бородин к восточному фольклору даже с точки зрения музыкальной этнографии). И эта подлинность самым естественным образом сочетается с использованием вполне традиционных форм большой арии – характеристики героя (Игорь, Кончак, Ярославна, Владимир Галицкий, Кончаковна), дуэта (Владимир и Кончаковна, Игорь и Ярославна) и прочих, а также с элементами, привнесенными в стиль Бородина из западноевропейской музыки (например, «шуманизмы», хотя бы в той же арии Ярославны).

Кюи.

В обзоре кучкистской оперы должно быть упомянуто также имя Цезаря Антоновича Кюи (1835–1918) как автора почти двух десятков опер на самые разнообразные сюжеты (от Кавказского пленника по мотивам поэмы Пушкина и Анджело по Гюго до Мадемуазель Фифи по Г. де Мопассану), которые появлялись и ставились на сцене в течение полувека. К настоящему времени все оперы Кюи прочно забыты, однако следовало бы сделать исключение для первого его зрелого произведения в этом жанре – Вильяма Ратклифа по Г.Гейне. Ратклиф стал первой оперой Балакиревского кружка, увидевшей сцену (1869), и здесь впервые была воплощена мечта нового поколения об опере-драме.

Чайковский.

Подобно Римскому-Корсакову и Мусоргскому, Петр Ильич Чайковский (1840–1893) всю жизнь испытывал сильное тяготение к оперному (а также, в отличие от кучкистов, и к балетному) жанру: первая его опера, Воевода (по А.Н.Островскому, 1869), относится к самому началу самостоятельной творческой деятельности; премьера последней, Иоланты , состоялась менее чем за год до внезапной кончины композитора.

Оперы Чайковского написаны на самые разные сюжеты – исторические (Опричник , 1872; Орлеанская дева , 1879; Мазепа , 1883), комические (Кузнец Вакула , 1874, и второй авторский вариант этой оперы – Черевички , 1885), лирические (Евгений Онегин , 1878; Иоланта , 1891), лирико-трагические (Чародейка , 1887; Пиковая дама , 1890) и в соответствии с темой имеют разный облик. Однако в осмыслении Чайковским все избираемые им сюжеты приобретали личностную, психологическую окраску. Его сравнительно мало интересовал локальный колорит, обрисовка места и времени действия – в историю отечественного искусства Чайковский вошел прежде всего как создатель лирической музыкальной драмы. У Чайковского, как и у кучкистов, не было единой, универсальной оперной концепции, и он свободно пользовался всеми известными формами. Хотя стиль Каменного гостя всегда казался ему «чрезмерным», на него оказала некоторое влияние идея opera dialogue, что сказалось в предпочтении музыкальной драматургии сквозного, непрерывного типа и мелодизированной распевной речи вместо «формального» речитатива (здесь Чайковский, впрочем, шел не только от Даргомыжского, но еще больше от Глинки, особенно от глубоко чтимой им Жизни за царя ). При этом для Чайковского в гораздо большей степени, чем для петербуржцев (за исключением Бородина), характерно сочетание непрерывности музыкального действия с ясностью и расчлененностью внутренних форм каждой сцены – он не отказывается от традиционных арий, дуэтов и прочего, мастерски владеет формой сложного «итогового» ансамбля (в чем сказалось страстное увлечение Чайковского искусством Моцарта вообще и его операми в частности). Не принимая вагнеровских сюжетов и с недоумением останавливаясь перед вагнеровской оперной формой, которая казалась ему абсурдной, Чайковский, тем не менее, сближается с немецким композитором в трактовке оперного оркестра: инструментальная часть насыщается сильным, действенным симфоническим развитием (в этом смысле особенно замечательны поздние оперы, прежде всего Пиковая дама ).

В последнее десятилетие своей жизни Чайковский пользовался славой крупнейшего русского оперного композитора, некоторые его оперы ставились в зарубежных театрах; поздние балеты Чайковского тоже имели триумфальные премьеры. Однако успех в музыкальном театре пришел к композитору не сразу и позже, нежели в инструментальных жанрах. Условно в музыкально-театральном наследии Чайковского можно выделить три периода: ранний, московский (1868–1877) – Воевода , Опричник , Кузнец Вакула , Евгений Онегин и Лебединое озеро ; средний, до конца 1880-х годов – три больших трагедийных оперы: Орлеанская дева , Мазепа и Чародейка (а также переделка Кузнеца Вакулы в Черевички , значительно изменившая облик этой ранней оперы); поздний – Пиковая дама , Иоланта (единственная у Чайковского «малая» – одноактная, камерная опера) и балеты Спящая красавица и Щелкунчик . Первый настоящий, крупный успех сопутствовал московской премьере Евгения Онегина силами студентов консерватории в марте 1879, петербургская же премьера этой оперы в 1884 стала одной из вершин творческого пути композитора и началом колоссальной популярности этого произведения. Второй, и еще более высокой, вершиной явилась премьера Пиковой дамы в 1890.

Антон Рубинштейн.

В числе явлений, не вписывающихся в основные направления развития русского музыкального театра в 19 в., можно назвать оперы Антона Григорьевича Рубинштейна (1829–1894): 13 собственно опер и 5 духовных опер-ораторий. Лучшие из музыкально-театральных произведений композитора связаны с «восточной» темой: монументально-декоративная, ораториального плана опера Маккавеи (1874, поставлена в 1875), лирические Демон (1871, поставлена в 1875) и Суламифь (1883). Демон (по Лермонтову) – безусловная вершина рубинштейновского оперного наследия и одна из лучших русских и популярнейших лирических опер.

Бларамберг и Направник.

Среди других оперных авторов той же эпохи выделяются московский композитор Павел Иванович Бларамберг (1841–1907) и петербургский композитор Эдуард Францевич Направник (1839–1916), знаменитый и несменяемый в течение полувека дирижер русской оперы в Мариинском театре. Бларамберг был самоучкой и пытался следовать заветам балакиревского кружка, хотя бы в выборе сюжетов, преимущественно русских (наибольшим успехом пользовалась его историческая мелодрама Тушинцы из эпохи Смутного времени, 1895). В отличие от Бларамберга, Направник был профессионалом высокого класса и безусловно владел композиторской техникой; его первая опера Нижегородцы на национально-патриотическую тему (1868) появилась на сцене немного раньше первых кучкистских исторических опер – Бориса Годунова и Псковитянки и до их премьер пользовалась определенным успехом; следующее оперное произведение Направника, Гарольд (1885), создано под отчетливым влиянием Вагнера, в то время как самая удачная и до сих пор иногда встречающаяся в театральном репертуаре опера этого автора Дубровский (по Пушкину, 1894) вдохновлена творчеством Чайковского, любимого русского композитора Направника (он провел целый ряд оперных и симфонических премьер Чайковского).

Танеев.

В конце 19 в. появилась на свет единственная опера (опера-трилогия) Сергея Иванович Танеева (1856–1915) Орестея (на сюжет Эсхила, 1895). Либретто оперы в общем далеко отходит от античного первоисточника, в смысле несвойственного античности «психологизма», в романтической трактовке центрального женского образа. Тем не менее, основные черты стиля этой оперы роднят ее с классицистской традицией, в частности, с лирическими музыкальными трагедиями Глюка. Строгий, сдержанный тон произведения Танеева, созданного на пороге нового века, приближает его к более поздним проявлениям неоклассицистского направления (например, к опере-оратории Царь Эдип И.Ф.Стравинского).

Рубеж 19–20 вв.

В последние полтора десятилетия 19 в. и в первые десятилетия следующего столетия, т.е. в период после смерти Мусоргского, Бородина, Чайковского (и одновременно в период расцвета оперного творчества Римского-Корсакова), выдвигается, преимущественно в Москве, ряд новых оперных композиторов: М.М.Ипполитов-Иванов (1859–1935) (Руфь по библейскому сказанию, 1887; Ася по Тургеневу, 1900; Измена , 1910; Оле из Нордланда ; 1916), А.С.Аренский (1861–1906) (Сон на Волге по Островскому, 1888; Рафаэль , 1894; Наль и Дамаянти , 1903), В.И.Ребиков (1866–1920) (В грозу , 1893; Елка , 1900 и др.), С.В.Рахманинов (1873–1943) (Алеко по Пушкину, 1892; Скупой рыцарь по Пушкину и Франческа да Римини по Данте, 1904), А.Т.Гречанинов (1864–1956) (Добрыня Никитич , 1901; Сестра Беатриса по М.Метерлинку, 1910); пробуют свои силы в оперном жанре также Вас.С.Калинников (1866–1900/1901) (оперный пролог В 1812 году , 1899) и А.Д.Кастальский (1856–1926) (Клара Милич по Тургеневу, 1907). Творчество этих авторов было нередко связано с деятельностью московских частных антреприз – сначала Московской частной русской оперы С.Мамонтова, а затем Оперы С.И.Зимина; новые оперы в основном принадлежали к камерно-лирическому жанру (ряд из них – одноактные). Некоторые из перечисленных выше произведений примыкают к кучкистской традиции (например, былинный Добрыня Никитич Гречанинова, до некоторой степени также Руфь Ипполитова-Иванова, отмеченная оригинальностью восточного колорита, и опера Кастальского, в которой наиболее удачны музыкальные зарисовки быта), но в еще большей степени авторы нового поколения находились под влиянием лирического оперного стиля Чайковского (Аренский, Ребиков, первая опера Рахманинова), а также новых веяний в европейском оперном театре той поры.

Первая опера Стравинского Соловей (по сказке Х.К.Андерсена, 1914) создана по заказу Дягилевской антрепризы и стилистически связана с эстетикой «Мира искусства» , а также с новым типом музыкальной драмы, появившимся в Пеллеасе и Мелисанде К.Дебюсси. Вторая его опера Мавра (по Домику в Коломне Пушкина, 1922) представляет собой, с одной стороны, остроумный музыкальный анекдот (или пародию), а с другой – стилизацию русского городского романса пушкинской эпохи. Третья опера, Царь Эдип (1927), по сути является не столько оперой, сколько неоклассицистской сценической ораторией (хотя здесь и использованы принципы композиции и вокальный стиль итальянской оперы-сериа). Последняя опера композитора, Похождения повесы , была написана много позднее (1951) и не имеет отношения к феномену русской оперы.

Шостакович.

Сложную судьбу имели и две оперы Дмитрия Дмитриевича Шостаковича (1906–1975), написанные им в конце 1920-х – начале 1930-х годов: Нос (по Гоголю, 1929) и Леди Макбет Мценского уезда (по Лескову, 1932, 2-я редакция 1962). Нос , очень яркое и острое произведение, в конце 20 в. пользовавшеся большой популярностью в России и на Западе, стилистически связано с экспрессионистским театром и основано на максимально заостренном принципе пародии, доходящей до уничтожающей и злобной сатиры. Первая редакция Леди Макбет являлась в некотором смысле продолжением стилистики Носа , и главная героиня этой оперы вызывала ассоциации с такими персонажами, как Мария в Воццеке А.Берга и даже Саломея в одноименной опере Р.Штрауса. Как известно, именно Леди Макбет , имевшая на премьере значительный успех, стала «объектом» программной статьи газеты «Правда» Сумбур вместо музыки (1934), которая сильно повлияла как на судьбу Шостаковича, так и на ситуацию в советской музыке того времени. Во второй, значительно более поздней редакции оперы автором были сделаны существенные смягчения – как драматургического, так и музыкально-стилистического плана, в результате чего произведение обрело форму, отчасти приближающуюся к классической для русского оперного театра, но потеряло в своей цельности.

Вообще же проблема оперы достаточно остро стояла на протяжении всего советского периода русской музыкальной культуры. Поскольку этот жанр считался одним из самых «демократических» и в то же время самых «идеологических», органы, руководившие искусством, обычно поощряли композиторов к работе в данной области, но одновременно строго ее контролировали. В 1920-е и в начале 1930-х годов оперная культура в России находилась в блестящем состоянии: в Москве и Ленинграде появлялись замечательные постановки классического репертуара, широко ставились новейшие западные произведения; экспериментами в области музыкального театра занимались крупнейшие режиссеры, начиная с К.С.Станиславского и В.Э.Мейерхольда и др. Впоследствии эти завоевания были во многом утрачены. Пора экспериментов в оперном театре закончилась в начале 1930-х годов (обычно, наряду с постановками опер Прокофьева и Шостаковича, здесь называются пользовавшиеся некоторым успехом оперы на «революционные» сюжеты Л.К.Книппера (1898–1974), В.В.Дешевова (1889–1955), А.Ф.Пащенко (1883–1972) и др.; ныне все они канули в лету). В середине 1930-х годов на первый план выходит концепция так называемой «песенной оперы» как «доступной народу»: эталоном ее являлся Тихий Дон (по М.Шолохову, 1935) И.И.Дзержинского (1909–1978); к этой же разновидности относятся популярные в свое время оперы Т.Н.Хренникова (р. 1913) В бурю (1939) и Д.Б.Кабалевского (1904–1987) Семья Тараса (1950). Правда, в тот же период появляются и более или менее удачные «нормальные» оперы, например Укрощение строптивой (1957) В.Я.Шебалина (1902–1963), Декабристы (1953) Ю.А.Шапорина (1887–1966). Начиная с 1960-х годов в оперном театре наступает период некоторого оживления; для этого времени характерно возникновение разного рода «гибридных» жанров (опера-балет, опера-оратория и т.д.); широко развиваются забытые в предыдущие десятилетия жанры камерной оперы и особенно монооперы. К опере в 1960–1990-е годы обращались многие авторы, в том числе талантливые (среди активно работавших в музыкальном театре композиторов можно назвать Р.К.Щедрина (р. 1932), А.П.Петрова (р. 1930), С.М.Слонимского (р. 1932); интересные оперы созданы Н.Н.Каретниковым (1930–1994) и Э.В.Денисовым (1929–1996); среди сочинений камерного жанра выделяются оперы Ю.М.Буцко (р. 1938), Г.И.Банщикова (р. 1943) и др. Однако былое положение этого жанра как ведущего в русской музыкальной культуре не было восстановлено, и современные произведения (как отечественные, так и зарубежные) появляются в афишах крупных оперных театров лишь спорадически. Некоторое исключение составляют небольшие труппы разных городов, которые оперативно ставят новые оперы, впрочем, редко удерживающиеся надолго в репертуаре.

Поклонников классических музыкальных произведений безусловно интересует вопрос о том, какие самые известные оперы мира существуют на сегодняшний день. Среди огромного количества шедевров, созданных композиторами на протяжении нескольких столетий, сложно выделить наиболее популярные. Однако из всех можно выявить бесспорных лидеров, которые и попали в ниже представленную десятку. Эти оперы переведены на несколько языков и регулярно ставятся на сценах лучших театров мира.

10 Норма. Винченцо Беллини

«Норма» (Винченцо Беллини) открывает список самых популярных опер в мире. Она представляет собой лирическую трагедию в двух актах, которая была снята по произведению А. Суме «Норма, или Детоубийство». Впервые опера была представлена в Милане и практически сразу снискала себе широкую известность среди любителей оперных произведений. Заглавная партия считается одной из самых сложных в репертуаре сопрано. «Норма» была написана композитором в 31 году 19 столетия, и до сих пор пользуется мировой популярностью.

9 Евгений Онегин. П. И. Чайковский

«Евгений Онегин» (П. И. Чайковский) - известнейшая опера русского композитора с мировым именем. Произведение создавалось по одноименному роману Александра Сергеевича Пушкина и положена на либретто Константина Шиловского. Опера была представлена широкой публике в московском Малом театре. Чайковский перед написанием своего шедевра долгое время пребывал в поиске оперного сюжета, который представлял бы собой сильную драму. Сюжет по стечению случайных обстоятельств был навеян композитору певицей Лавровской.

8 Свадьба Фигаро. В. А. Моцарт

«Свадьба Фигаро» (В. А. Моцарт) - популярная опера австрийского композитора-виртуоза, получившая мировую славу. Написана по одноименной пьесе Бомарше. Написание музыкального произведения Моцарт начал в 86-м году 18 столетия. Создание партитуры длилось на протяжении пяти месяцев. После первого представления ее публике, она не снискала большой популярности. Слава и лавры пришли после того, как опера была постановлена в Праге. На русский язык опера была впервые переведена Петром Ильичом Чуковским. Всего опера включает в себя четыре акта. Сюжет произведения связан со подготовкой к свадьбе служанки Сюзанны и камердинера Фигаро.

7 Волшебная флейта. В. А. Моцарт

«Волшебная флейта» (В. А. Моцарт) - одна из лучших опер мира, написанная композитором в двух действиях. Впервые была представлена публике в 1791 году в Вене. В центре сюжета принц Тамино, которому предстоит пройти через многие трудности и испытания, чтобы быть достойным находиться рядом со своей возлюбленной - дочери царицы ночи. Гете был настолько в восторге от этого произведения, что делал попытки написать продолжение этого либретто.

6 Севильский цирюльник. Джоаккино Россини

«Севильский цирюльник» (Джоаккино Россини) является одной из самых лучших опер, которая снискала себе мировую популярность. Она включает в себя два акта, которые были созданы по мотивам одноименной комедии Пьера Борамше. Вначале либретто носило такое название, как «Альмавива, или Тщетная предосторожность». Действие музыкального произведения разворачивается в Севилье в 18 столетии. Начинается опера с появления графа Альмавива, который находится под окнами своей возлюбленной. Для нее он исполняет небольшую оперную арию «Скоро восток золотою ярко заблещет зарею». Опекун возлюбленной не дает ей выйти на балкон, поэтому попытки Альвамивы тщетны.

5 Богема. Джакомо Пуччини

«Богема» (Джакомо Пуччини) - один из мировых музыкальных шедевров, представленный публике в далеком 1896 году. Опера включает в себя четыре акта. Она была снята по мотивам произведения Анри Мюрже «Сцены из жизни Богемы». Действия в либретто происходят в Париже в 30-х годах 19 века. Первый акт начинается с того, что бедный поэт Рудольф и его приятель художник Марсель проводят вечер у остывшего камина, который нечем растопить. Художник хочет сжечь последний стул, но Рудольф его останавливает, жертвуя одной из своих рукописей. Действие заканчивается тем, что поэт встречает свою любовь.

4 Лючия ди Ламмермур. Г. Доницетти

«Лючия ди Ламмермур» (Г. Доницетти) входит в список самых популярных опер мира. Трагическое музыкальное произведение итальянского композитора исполняется в трех актах. Либретто написано по мотивам романа В. Скотта «Ламмермурская невеста». Чуть позже композитором была еще написана и французская версия оперы. Она прогремела на весь мир, став одной из самых лучших. Сюжет романа был использован до Доницетти несколькими композиторами, но его творение напрочь вытеснило все предыдущие. Действия либретто разворачиваются в Шотландии в 18 столетии. Всего произведение включает в себя две части: «Отъезд» и «Брачный контракт».

3 Кармен. Жорж Бизе

«Кармен» (Жорж Бизе) открывает тройку лучших опер мира, которая была написана композитором по одноименной новелле Проспера Мериме. Пеовые наброски партитуры появились в 74-году 19 века. Премьера состоялась впервые во Франции, где потерпела полное фиаско. Непризнанная французской публикой и критиками опера надолго ушла со сцен и лишь 83-м вновь вернулась на сцену, сыскав себе мировую славу. Сам Чайковский говорил, что это поистине шедевральное произведение, которое спустя некоторое время возымеет масштабную славу.

2 Война и мир. С. Прокофьев

«Война и мир» (С. Прокофьев) - одна из самых знаменитых опер, прогремевших на весь мир. Написана по одноименному роману выдающегося писателя 19 столетия Льва Николаевича Толстого. Всего произведение включает в себя тринадцать картин. Опера начинается с появления на сцене Болконского, который находится в гостях в поместье графа Ростова. До него доносится голос дочери Графа Наташи, которая поражает его своим прекрасным пением. Тринадцатая завершающая картина повествует об остатках отступающей армии Бонапарта. Задумки написать оперу по знаменитому роману композитор вынашивал долгое время. Первые наброски появились в 1941 году, а на сцене большого театра она прогремела в 59-м, став одной из лучших мировых опер.

1 Травиата. Джузеппе Верди

«Травиата» (Джузеппе Верди) завершает список лучших опер мира. В переводе на русский слово травиата означает, как «заблудшая» или «падшая». На ее написание композитора вдохновил роман Александра Дюма «Дама с камелиями». Впервые представленная публике «Травиата» потерпела полнейшее фиаско, однако после радикальной переработки, сыскала себе мировую популярность. Особенностью этой оперы является необычной выбор героини для того времени - падшей женщины, находящейся на смертном ложе. Действия «Травиаты» разворачиваются в Париже в середине 19 века. В центре внимания куртизанка, отвергнутая обществом и не кому ненужная. В оригинальной партитуре включено три акта.

Мировая классическая музыка немыслима без работ русских композиторов. Россия, великая страна с талантливым народом и своим культурным наследием, всегда была в числе ведущих локомотивов мирового прогресса и искусства, в том числе музыки. Русская композиторская школа, продолжателем традиций которой стала советская и сегодняшняя российская школы, начиналась в 19 веке с композиторов, объединивших европейское музыкальное искусство с русскими народными мелодиями, связав воедино европейскую форму и русский дух.

О каждом из этих знаменитых людей можно рассказывать много, у всех не простые, а порой и трагические судьбы, но в данном обзоре мы постарались дать только краткую характеристику жизни и творчества композиторов.

1. Михаил Иванович ГЛИНКА (1804—1857)

Михаил Иванович Глинка является основоположником русской классической музыки и первым отечественным композитором-классиком, достигшим мировой славы. Его работы, опиравшиеся на многовековые традиции русской народной музыки, были новым словом в музыкальном искусстве нашей страны.
Родился в Смоленской губернии, образование получил в Санкт-Петербурге. Формированию мировозрения и основной идеи творчества Михаила Глинки способствовало непосредственное общение с такими личностями, как А.С.Пушкин, В.А.Жуковский, А.С.Грибоедов, А.А.Дельвиг. Творческий импульс его работам добавила многолетняя поездка по Европе в начале 1830-х и встречи с ведущими композиторами времени - В.Беллини, Г.Доницетти, Ф.Мендельсоном и позже с Г.Берлиозом, Дж.Мейербером. Успех пришел к М.И.Глинке после постановки оперы "Иван Сусанин" ("Жизнь за царя") (1836), которая была восторженно встречена всеми, впервые в мировой музыке органично соединились русское хоровое искусство и европейская симфоническая и оперная практика, а также появился герой, подобный Сусанину, образ которого обобщает лучшие черты национального характера. В.Ф.Одоевский охарактиризовал оперу "новая стихия в Искусстве, и начинается в его истории новый период - период Русской музыки".
Вторая опера - эпическая "Руслан и Людмила" (1842), работа над которой велась на фоне смерти Пушкина и в тяжелых жизненных условиях композитора, в силу глубоко новаторской сущности произведения, была неоднозначно встречена зрителями и властями и принесла М.И.Глинке тяжелые переживания. После этого он много путешествовал, попеременно живя в России и за рубежом, не прекращая сочинять. В его наследии остались романсы, симфонические и камерные работы. В 1990-х годах "Патриотическая песня" Михаила Глинки была официальным гимном Российской Федерации.

Цитата М.И.Глинки: "Чтобы красоту создать, надо самому быть чистым душой."

Цитата о М.И.Глинке: "Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в жёлуде, заключена в симфонической фантазии "Камаринская". П.И.Чайковский

Интересный факт: Михаил Иванович Глинка не отличался крепким здоровьем, несмотря на это был очень лёгок на подъем и прекрасно знал географию, возможно, если бы он не стал композитором, то стал путешественником. Он знал шесть иностранных языков, в том числе персидский.

2. Александр Порфирьевич БОРОДИН (1833—1887)

Александр Порьфирьевич Бородин, один из ведущих русских композиторов второй половины 19-го века, кроме композиторского таланта был учёным-химиком, врачём, педагогом, критиком и обладал литературным дарованием.
Родился в Санкт-Петербурге, с детства все окружающие отмечали его необычную активность, увлекаемость и способности в различных направлениях, в первую очередь в музыке и химии. А.П.Бородин является русским композитором-самородком, у него не было профессиональных учителей-музыкантов, все его достижения в музыке благодаря самостоятельной работе над овладением техникой композирования. На формирование А.П.Бородина влияние оказало творчество М.И. Глинки (как впрочем на всех русских композиторов 19-го века), а импульсом к плотному занятию композицией в начале 1860-х дали два события - во-первых, знакомство и женитьба с талантливой пианисткой Е.С.Протопоповой, во-вторых, встреча с М.А.Балакиревым и вступление в творческое содружество русских композиторов, известного как "Могучая кучка". В конце 1870-х и в 1880-х А.П.Бородин много путешествует и гастролирует в Европе и Америке, встречается с передовыми композиторами своего времени, его известность растет, он стал одним из самых известных и популярных русских композиторов в Европе конца 19-го века.
Центральное место в творчестве А.П.Бородина занимает опера "Князь Игорь" (1869-1890), являющаяся образцом национального героического эпоса в музыке и которую он сам не успел закончить (её завершили его друзья А.А.Глазунов и Н.А. Римский-Корсаков). В "Князе Игоре", на фоне величественных картин исторических событий, нашла отражение главная мысль всего творчества композитора - мужество, спокойное величие, душевное благородство лучших русских людей и могучая сила всего русского народа, проявляющаяся при защите родины. Несмотря на то, что А.П.Бородин оставил относительно небольшое количество произведений, его творчество очень разноплановое и он считается одним из отцов русской симфонической музыки, оказавшим влияние на многие поколения русских и зарубежных композиторов.

Цитата о А.П.Бородине: "Талант Бородина равно могуч и поразителен как в симфонии, так и в опере и в романсе. Главные качества его - великанская сила и ширина, колоссальный размах, стремительность и порывистость, соединенная с изумительной страстностью, нежностью и красотой". В.В.Стасов

Интересный факт: именем Бородина названа химическая реакция серебряных солей карбоновых кислот с галогенами, дающая в результате галогенозамещенные углеводороды, которую он первым исследовал в 1861 году.

3. Модест Петрович МУСОРГСКИЙ (1839—1881)

Модест Петрович Мусоргский - один из самых гениальных русских композиторов 19 столетия, член "Могучей кучки". Новаторское творчество Мусоргского далеко опередило своё время.
Родился в Псковской губернии. Как многие талантливые люди, с детства показал способности в музыке, учился в Санкт-Петербурге, был, по семейной традиции, военным. Решающим событием, определившим, что Мусоргский рожден не для военной службы, а для музыки, стала его встреча с М.А.Балакиревым и вступление в "Могучую кучку". Мусоргский велик тем, что в своих грандиозных произведениях - операх "Борис Годунов" и "Хованщина" запечатлел в музыке драматические вехи российской истории с радикальной новизной, которую не знала до него русская музыка, показав в них сочетание массовых народных сцен и разнообразное богатство типов, неповторимый характер русских людей. Эти оперы, в многочисленных редакциях, как автора, так и других композиторов, являются одними из самых популярных русских опер в мире. Еще одним выдающимся произведением Мусоргского является цикл фортепианных пьес "Картинки с выставки", колоритные и изобретательные миниатюры пронизаны русской темой-рефреном и православной верой.

В жизни Мусоргского было все - и величие, и трагедия, но он всегда отличался подлинной духовной чистотой и бескорыстием. Последние его годы были тяжелыми - жизненная неустроенность, непризнание творчества, одиночество, пристрастие к алкоголю, всё это определило его раннюю смерть в 42 года, он оставил сравнительно немного сочинений, некоторые из которых были завершены другими композиторами. Специфическая мелодика и новаторская гармония Мусоргского предвосхитили некоторые черты музыкального развития 20 века и сыграли важную роль в становлении стилей многих мировых композиторов.

Цитата М.П.Мусоргского: "Звуки человеческой речи, как наружные проявления мысли и чувства, должны без утрировки и насилования сделаться музыкой правдивой, точной, но художественной, высокохудожественной."

Цитата о М.П.Мусоргском: "Исконно русское звучит во всем, что творил Мусоргский" Н.К.Рерих

Интересный факт: в конце жизни Мусоргский, под давлением "друзей" Стасова и Римского-Корсакова, отказался от авторских прав на свои произведения и подарил их Тертию Филиппову

4. Пётр Ильич ЧАЙКОВСКИЙ (1840—1893)

Пётр Ильич Чайковский, пожалуй самый великий русский композитор 19 века, поднял на небывалую высоту русское музыкальное искусство. Он является одним из самых важных композиторов мировой классической музыки.
Уроженец Вятской губернии, хотя корни по отцовской линии на Украине, Чайковский с детства показал музыкальные способности, однако первое образование и работа была в области правоведения. Чайковский - один из первых русских композиторов-"профессионалов" - теорию музыки и композицию он изучал в новой Санкт-Петербургской консерватории. Чайковского считали "западным" композитором, в противопоставлении народным деятелям "Могучей кучки", с которыми у него были хорошие творческие и дружеские отношения, однако его творчество не менее пронизано русским духом, ему удалось уникально соединить западное симфоническое наследие Моцарта,Бетховена и Шумана с русскими традициями, унаследованными от Михаила Глинки.
Композитор вёл активную жизни - был педагогом, дирижёром, критиком, общественным деятелем, работал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке. Чайковский был человеком достаточно эмоционально неустойчивым, восторженность, уныние, апатия, вспыльчивость, буйный гнев - все эти настроения менялись в нём достаточно часто, будучи очень общительным человеком, он всегда стремился к одиночеству.
Выделить что-то лучшее из творчества Чайковского - сложная задача, у него несколько равновеликих произведений почти во всех музыкальных жанрах - опера, балет, симфония, камерная музыка. Содержание музыки Чайковского универсально: с неподражаемым мелодизмом она охватывает образы жизни и смерти, любви, природы, детства, в ней по-новому раскрываются произведения русской и мировой литературы, отражаются глубокие процессы духовной жизни.

Цитата композитора:
"Я артист, который может и должен принести честь своей Родине. Я чувствую в себе большую художественную силу, я еще не сделал и десятой доли того, что могу сделать. И я хочу всеми силами души это сделать."
"Жизнь имеет только тогда прелесть, когда состоит из чередования радостей и горя, из борьбы добра со злом, из света и тени, словом - из разнообразия в единстве."
"Большой талант требует большого трудолюбия."

Цитата о композиторе: "Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, - до такой степени я уважаю его" А.П.Чехов

Интересный факт: Кембриджский университет заочно и без защиты диссертации удостоил Чайковского звания доктора музыки, так же Парижская академии Изящных искусств избрала его членом-корреспондентом.

5. Николай Андреевич РИМСКИЙ-КОРСАКОВ (1844—1908)

Николай Андреевич Римский-Корсаков - талантливый русский композитор, одна из важнейших фигур в создании бесценного отечественного музыкального достояния. Его своеобразный мир и поклонение вечной всеобъемлющей красоте мироздания, восхищения чудом бытия, единства с природой не имеют аналогов в истории музыки.
Родился в Новгородской губернии, по семейной традиции стал морским офицером, на военном корабле обошёл много стран Европы и двух Америк. Музыкальное образование получил сначала от матери, затем беря частные уроки у пианиста Ф. Канилле. И опять благодаря М.А.Балакиреву, организатору "Могучей кучки", который ввёл Римского-Корсакова в музыкальное сообщество и повлиял на его творчество, мир не потерял талантливого композитора.
Центральное место в наследии Римского-Корсакова составляют оперы - 15 работ, демонстрирующих разнообразие жанровых, стилистических, драматургических, композиционных решений композитора, тем не менее имеющих особенный почерк - при всём богатстве оркестровой составляющей главными являются мелодичные вокальные линии. Два основных направления отличают творчество композитора: первое - русская история, второе - мир сказки и эпоса, за что он получил прозвище "сказочник".
Кроме непосредственной самостоятельной творческой деятельности Н.А.Римский-Корсаков известен как публицист, составитель сборников народных песен, к которым он проявлял большой интерес, а также как завершитель работ своих друзей - Даргомыжского, Мусоргского и Бородина. Римский-Корсаков был создателем композиторской школы, как педагог и руководитель Санкт-Петербургской консерватории он выпустил около двухсот композиторов, дирижёров, музыковедов, среди них Прокофьев и Стравинский.

Цитата о композиторе: "Римский-Корсаков был очень русским человеком и очень русским композитором. Я считаю, что эта его исконно русская суть, его глубинная фольклорно-русская основа сегодня должна быть особенно ценима". Мстислав Ростропович

Творчество русских композиторов конца 19-го - первой половины 20-го века является целостным продолжением традиций русской школы. Вместе с этим именилась концепция подхода к "национальной" принадлежности той или иной музыки, непосредственного цитирования народных мелодий уже практически нет, но осталась интонационная русская основа, русская душа.

6. Александр Николаевич СКРЯБИН (1872 - 1915)

Александр Николаевич Скрябин - русский композитор и пианист, одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры. Самобытное и глубоко поэтичное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве, связанных с изменениями в общественной жизни на рубеже 20-го века.
Родился в Москве, мать умерла рано, отец не мог уделять внимание сыну, так как служил послом в Персии. Скрябин воспитывался тетей и дедом, с детства проявил музыкальные способности. В начале учился в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов. После окончания консерватории Скрябин полностью посвятил себя музыке - как концертирующий пианист-композитр гастролировал в Европе и России, проводя большую часть времени за границей.
Пиком композиторского творчества Скрябина стали 1903-1908 годы, когда вышли Третья симфония ("Божественная поэма"), симфоническая "Поэма экстаза", "Трагическая" и "Сатаническая" фортепианные поэмы, 4 и 5 сонаты и другие произведения. "Поэма экстаза", состоящая из нескольких тем-образов, сконцентрировала творческие идеи Срябина и является ярким его шедевром. В ней гармонично соединились любовь композитора к мощи большого оркестра и лирическое, воздушное звучание сольных инструментов. Воплощенная в "Поэме экстаза" колоссальная жизненная энергия, огненная страстность, волевая мощь производит неотразимое впечатление на слушателя и до сегодняшнего дня сохраняет силу своего воздействия.
Ещё одним шедевром Скрябина является "Прометей" ("Поэма огня"), в которой автор полностью обновил свой гармонический язык, отступив от традиционной тональной системы, а также впервые в истории это произведение должна была сопровождать цветомузыка, но премьера, по техническим причинам, прошла без световых эфектов.
Последняя незаконченая "Мистерия" была замыслом Скрябина, мечтателя, романтика, философа, обратиться ко всему человечеству и вдохновить его на создание нового фантастического миропорядка, соединение Вселенского Духа с Материей.

Цитата А.Н.Скрябина: "Иду сказать им (людям) - чтобы они... ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать... Иду сказать им, что горевать - не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его."

Цитата о А.Н.Скрябине: "Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим". Г. В. Плеханов

7. Сергей Васильевич РАХМАНИНОВ (1873 - 1943)

Сергей Васильевич Рахманинов - крупнейший мировой композитор начала 20-го века, талантливый пианист и дирижер. Творческий образ Рахманинова-композитора часто определяют эпитетом "самый русский композитор", подчеркивая в этой краткой формулировке его заслуги в объединении музыкальных традиций Московской и Петербургской композиторских школ и в создании собственного уникального стиля, особняком выделяющегося в мировой музыкальной культуре.
Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Быстро стал известен как дирижёр и пианист, сочинял музыку. Провальная премьера новаторской Первой симфонии (1897) в Петербурге вызвала творческий композиторский кризис, из которого Рахманинов вышел в начале 1900-х со сформировавшимся стилем, объединившим русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм, - и всё это насыщено сложной символикой. В этот творческий период рождаются лучшие его произведения, среди которых 2 и 3 фортепианные концерты, Вторая симфония и его самое любимое произведение - поэма "Колокола" для хора, солистов и оркестра.
В 1917 году Рахманинов с семьёй был вынужден покинуть нашу страну и осесть в США. Почти десять лет после отъезда ничего не сочинял, но много гастролировал в Америке и Европе и был признан одним из величайших пианистов эпохи и крупнейшим дирижером. За всей бурной деятельностью, Рахманинов оставался ранимым и неуверенным человеком, стремящимся к уединению и даже одиночеству, избегающим назойливого внимания публики. Искренне любил и тосковал по родине, думая не совершил ли он ошибку, покинув её. Он постоянно интересовался всеми событиями происходящими в России, читал книги, газеты и журналы, помогал материально. Его последнии сочинения - Симфония № 3 (1937) и "Симфонические танцы" (1940) стали итогом творческого пути, вобрав в себя все лучшее его уникального стиля и скорбное чувство невосполнимой утраты и тоски по родине.

Цитата С.В.Рахманинова:
"Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире."
"Самое высокое качество всякого искусства - это его искренность."
"Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия - это музыка, главная основа всей музыки... Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, - главная жизненная цель композитора.... По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран."

Цитата о С.В.Рахманинове:
"Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото - в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека." И.Гофман
"Музыка Рахманинова - это Океан. Его волны - музыкальные - начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают... что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание." А.Кончаловский

Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.

8. Игорь Фёдорович СТРАВИНСКИЙ (1882-1971)

Игорь Фёдорович Стравинский - один из самых влиятельных мировых композиторов 20-го века, лидер неоклассицизма. Стравинский стал "зеркалом" музыкальной эпохи, в его творчестве отражена множественность стилей, постоянно пересекающихся и трудно поддающихся классификации. Он свободно комбинирует жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.
Родился близ Санкт-Петербурга, учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, самостоятельно изучал музыкальные дисциплины, брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова, это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской техникой. Профессионально сочинять он начал относительно поздно, но взлёт был стремительным - серия трёх балетов: "Жар-птица" (1910), "Петрушка" (1911) и "Весна священная" (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины.
В 1914 покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были гастроли в СССР). Стравинский - космополит, вынуждено сменив несколько стран - Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США. Его творчество разделяют на три периода - "русский", "неоклассический", американский "серийного производства", периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому "почерку".
Стравинский был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели.
Последнее высшее достижение Стравинского - "Реквием" (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера.
В творчестве Ставинского выделяется одна уникальная черта - "неповторяемость", недаром его называли "композитором тысячи одного стиля", постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета - каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни.

Цитата И.Ф.Стравинского: "Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе"

Цитата о И.Ф.Стравинском: "Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного... " Д.Шостакович

Интересный факт (байка):
Однажды в Нью-Йорке, Стравинский взял такси и с удивлением прочитал на табличке свою фамилию.
- Вы не родственник композитора? - спросил он у шофера.
- Разве есть композитор с такой фамилией? - удивился шофер. - Впервые слышу. Впрочем, Стравинский - фамилия владельца такси. Я же не имею ничего общего с музыкой - моя фамилия Россини...

9. Сергей Сергеевич ПРОКОФЬЕВ (1891—1953)

Сергей Сергеевич Прокофьев - один из крупнейших русских композиторов 20-го века, пианист, дирижер.
Родился в Донецкой области, с детства приобщился к музыке. Прокофьева можно считать одним из немногих (если не единственным) русских музыкальных "вундеркиндов", с 5 лет занимался композированием, в 9 лет написал две оперы (конечно, эти произведения ещё незрелые, но показывают стремление к созиданию), в 13 лет сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию, среди его учителей был Н.А.Римский-Корсаков. Начало профессиональной карьеры вызвало бурю критики и непонимание его индивидуального принципиально антиромантического и крайне модернистского стиля, парадокс в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна классическим принципам и впоследствии стала сдерживающей силой модернистского всеотрицающего скептицизма. С самого начала карьеры Прокофьев много выступал и гастролировал. В 1918 году он выехал в международное турне, в том числе приезжал в СССР, окончательно вернулся на родину в 1936 году.
Страна изменилась и "свободное" творчество Прокофьева вынуждено уступило реалиям новых требований. Талант Прокофьева расцвел с новой силой - он пишет оперы, балеты, музыку к кинофильмам - острая, волевая, предельно точная музыка с новыми образами и идеями, заложила фундамент советской классической музыки и оперы. В 1948 году произошли почти одновременно три трагических события: по подозрению в шпионаже была арестована и сослана в лагеря его первая жена-испанка; вышло Постановление Полибюро ЦК ВКП(б) в котором Прокофьев, Шостакович и другие подверглись нападкам и обвинениям в "формализме" и вреде их музыки; произошло резкое ухудшение здоровья композитора, он удалился на дачу и практически не покидал её, но продолжал сочинять.
Одними из ярких произведений советского периода стали оперы "Война и мир", "Повесть о настоящем человеке"; балеты "Ромео и Джульетта", "Золушка", ставшие новым эталоном мировой балетной музыки; оратория "На страже мира"; музыка к фильмам "Александр Невский" и "Иван Грозный"; симфонии № 5,6,7; фортепианные работы.
Творчество Прокофьева поражает многогранностью и широтой тематики, самобытность его музыкального мышления, свежесть и своеобразие составили целую эпоху в мировой музыкальной культуре 20 века и оказали мощное воздействие на многих советских и зарубежных композиторов.

Цитата С.С.Прокофьева:
"Может ли художник стоять в стороне от жизни?.. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своём искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…"
"Я - проявление жизни, которая дает мне силы сопротивляться всему недуховному"

Цитата о С.С.Прокофьеве: "... все грани его музыки прекрасны. Но есть здесь одна совершенно необычная вещь. У нас у всех, видимо, бывают какие-то неудачи, сомнения, просто плохое настроение. И вот в такие минуты, даже если я не играю и не слушаю Прокофьева, а просто думаю о нем, я получаю невероятный заряд энергии, испытываю огромное желание жить, действовать» Е.Кисин

Интересный факт: Прокофьев очень любил шахматы, и обогатил игру своими идеями и достижениями, среди которых изобретённые им "девятерные" шахматы - доска 24х24 поля с расставленными на ней девятью комплектами фигур.

10. Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 - 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович - один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире, его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения - это истинные выражения внутренней человеческой драмы и летописи тяжёлых событий 20-го века, где глубоко личное переплетается с трагедией человека и человечества, c судьбой родной страны.
Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом - так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром. Уже в начале 20-х, к окончанию консерватории, Шостакович имел багаж собственных произведений и встал в число лучших композиторов страны. Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году.
До определённого периода, а именно до постановки оперы "Леди Макбет Мценского уезда", Шостакович творил как свободный художник - "авангардист", экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях навязывания государством направлений в искусстве. В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.
Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах именно симфонии (15 работ) занимают центральное место, самыми драматически насышенными являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки. Совсем другой Шостакович открывается в камерной музыке.
Несмотря на то, что сам Шостакович был "домашним" композитором и практически не выезжал за рубеж, его гуманистическая по сути и истинно художественная по форме музыка быстро и широко распространялась в мире, исполнялась лучшими дирижерами. Величина таланта Шостаковича столь необъятна, что полное постижение этого уникального явления мирового искусства ещё впереди.

Цитата Д.Д.Шостаковича: "Настоящая музыка способна выражать только гуманные чувства, только передовые гуманные идеи."